• Skip to navigation (n)
  • Skip to content (c)
  • Skip to footer (f)
  • Studio
    • SUB
  • Projects
    • Installations
    • Videos
    • Objects
    • Paper
    • News
  • Info
  • Works
  • Publications
  • Essays
  • CV
Currently available in Tel Aviv
  • “Yaron’s Yellow Dragon”, Oil on Aluminum, 150 x 75 cm, 2021 “Yaron’s Yellow Dragon”, Oil on Aluminum, 150 x 75 cm, 2021
  • “Golden Eye”, Oil on Linen, 150 x 150 cm, 2021 “Golden Eye”, Oil on Linen, 150 x 150 cm, 2021
  • Oil on Aluminum, 50 x 70 cm, 2021 Oil on Aluminum, 50 x 70 cm, 2021
  • Oil on Linen, 60 x 50 cm, 2022 Oil on Linen, 60 x 50 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 50 x 75 cm, 2022 Oil on Aluminum, 50 x 75 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 75 x 50 cm, 2022 Oil on Aluminum, 75 x 50 cm, 2022
  • Oil on Linen, 60 x 20 cm, 2022 Oil on Linen, 60 x 20 cm, 2022
  • Oil on Linen, 30 x 20 cm, 2022 Oil on Linen, 30 x 20 cm, 2022
  • Oil on Linen, 30 x 20 cm, 2022 Oil on Linen, 30 x 20 cm, 2022
  • Oil on Linen, 150 x 50 cm, 2022 Oil on Linen, 150 x 50 cm, 2022
  • “Long Way Home”, Oil on Aluminum, 150 x 75 cm, 2022 “Long Way Home”, Oil on Aluminum, 150 x 75 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Linen, 150 x 100 cm, 2022 Oil on Linen, 150 x 100 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Linen, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Linen, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Linen, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Linen, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Linen, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Linen, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Linen, 120 x 100 cm, 2022 Oil on Linen, 120 x 100 cm, 2022
  • Oil on Linen, 100 x 100 cm, 2022 Oil on Linen, 100 x 100 cm, 2022
  • Oil on Linen, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Linen, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 150 x 100 cm, 2022 Oil on Aluminum, 150 x 100 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 150 x 75 cm, 2022 Oil on Aluminum, 150 x 75 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 124 x 96 cm, 2022 Oil on Aluminum, 124 x 96 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 150 x 50 cm, 2022 Oil on Aluminum, 150 x 50 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 104 x 97 cm, 2022 Oil on Aluminum, 104 x 97 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 150 x 50 cm, 2022 Oil on Aluminum, 150 x 50 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 150 x 50 cm, 2022 Oil on Aluminum, 150 x 50 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 150 x 50 cm, 2022 Oil on Aluminum, 150 x 50 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 150 x 50 cm, 2022 Oil on Aluminum, 150 x 50 cm, 2022
  • Oil on Linen, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Linen, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Linen, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Linen, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Linen, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Linen, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Linen, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Linen, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Linen, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Linen, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 150 x 75 cm, 2022 Oil on Aluminum, 150 x 75 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 60 x 60 cm, 2022 Oil on Aluminum, 60 x 60 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 60 x 60 cm, 2022 Oil on Aluminum, 60 x 60 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 60 x 60 cm, 2022 Oil on Aluminum, 60 x 60 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 60 x 60 cm, 2022 Oil on Aluminum, 60 x 60 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 150 x 75 cm, 2022 Oil on Aluminum, 150 x 75 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 150 x 150 cm, 2022 Oil on Aluminum, 150 x 150 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 60 x 60 cm, 2022 Oil on Aluminum, 60 x 60 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 60 x 60 cm, 2022 Oil on Aluminum, 60 x 60 cm, 2022
  • Oil on paper, 30 x 23 cm, 2017 Oil on paper, 30 x 23 cm, 2017
  • Oil on paper, 30 x 23 cm, 2017 Oil on paper, 30 x 23 cm, 2017
  • Oil on paper, 30 x 23 cm, 2017 Oil on paper, 30 x 23 cm, 2017
  • Oil on paper, 30 x 23 cm, 2017 Oil on paper, 30 x 23 cm, 2017
  • Oil on paper, 30 x 23 cm, 2017 Oil on paper, 30 x 23 cm, 2017
  • Oil on Aluminum, 61 x 61 cm, 2022 Oil on Aluminum, 61 x 61 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 61 x 61 cm, 2022 Oil on Aluminum, 61 x 61 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 61 x 61 cm, 2022 Oil on Aluminum, 61 x 61 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 61 x 61 cm, 2022 Oil on Aluminum, 61 x 61 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 61 x 61 cm, 2022 Oil on Aluminum, 61 x 61 cm, 2022
  • “Heaving”, Oil on Linen, 150 x 150 cm, 2022 “Heaving”, Oil on Linen, 150 x 150 cm, 2022
  • “The Hands that See”, Oil on Aluminum, 50 x 47 cm, 2020 “The Hands that See”, Oil on Aluminum, 50 x 47 cm, 2020
  • “The Hands that Know”, Oil on Aluminum, 50 x 47 cm, 2020 “The Hands that Know”, Oil on Aluminum, 50 x 47 cm, 2020
  • “Sunset”, Oil on Linen, 150 x 150 cm, 2022 “Sunset”, Oil on Linen, 150 x 150 cm, 2022
  • Blue Circle, “Groundwater” Series, Oil on Linen, 120×120 cm, 2020 Blue Circle, “Groundwater” Series, Oil on Linen, 120×120 cm, 2020
  • “You”, Oil on Aluminum, 120 x 120, 2022 “You”, Oil on Aluminum, 120 x 120, 2022
  • “Purple Rain”, Oil on Linen, 40 x 40 cm, 2021 “Purple Rain”, Oil on Linen, 40 x 40 cm, 2021
  • “Snakes’s Innocence #2”, Oil on Linen, 40 x 50 cm, 2021 “Snakes’s Innocence #2”, Oil on Linen, 40 x 50 cm, 2021
  • “Snakes’ Innocence”, Oil on Canvas, 50 x 40 cm, 2021 “Snakes’ Innocence”, Oil on Canvas, 50 x 40 cm, 2021
  • “Playing the Media”, Oil on Linen, 70 x 100 cm, 2021 “Playing the Media”, Oil on Linen, 70 x 100 cm, 2021
  • “Shivering seeing you”, oil on linen, 100×100 cm, 2021 “Shivering seeing you”, oil on linen, 100×100 cm, 2021
  • “Missing Bauhaus”, oil and gold dust on linen, 60×80 cm, 2021 “Missing Bauhaus”, oil and gold dust on linen, 60×80 cm, 2021
  • “Blue Magnetic Fields” oil on aluminum, 50×50 cm, 2021 “Blue Magnetic Fields” oil on aluminum, 50×50 cm, 2021
  • “Magnetic Fields #6” oil on aluminum, 75×50 cm, 2021 “Magnetic Fields #6” oil on aluminum, 75×50 cm, 2021
  • “Magnetic Fields #7” oil on aluminum, 75×50 cm, 2021 “Magnetic Fields #7” oil on aluminum, 75×50 cm, 2021
  • “In the world but not part of it”, oil and gold dust on linen, 60×90 cm, 2021 “In the world but not part of it”, oil and gold dust on linen, 60×90 cm, 2021
  • “Magnetic Field in Gold Dust” Oil and Gold Dust on Linen, 180×100 cm, 2020 “Magnetic Field in Gold Dust” Oil and Gold Dust on Linen, 180×100 cm, 2020
  • Oil on Linen, 80×45.5 cm, 2021 Oil on Linen, 80×45.5 cm, 2021
  • “Small Landscape #3”, Oil on Linen, 25×30 cm, 2021 “Small Landscape #3”, Oil on Linen, 25×30 cm, 2021
  • “Small Landscape #7”, Oil on Linen, 25×30 cm, 2021 “Small Landscape #7”, Oil on Linen, 25×30 cm, 2021
  • “Small Landscape #8”, Oil on Linen, 25×30 cm, 2021 “Small Landscape #8”, Oil on Linen, 25×30 cm, 2021
  • “Small Landscape #2”, Oil on Linen, 25×30 cm, 2021 “Small Landscape #2”, Oil on Linen, 25×30 cm, 2021
  • “Only Us”, Oil on Aluminum, 122×122 cm, 2022 “Only Us”, Oil on Aluminum, 122×122 cm, 2022
  • “Orange Surfer”, Oil on Linen, 150×150 cm, 2021 “Orange Surfer”, Oil on Linen, 150×150 cm, 2021
  • “Not Present and Not Not”, Oil and Gold Dust on Linen, 90×120 cm, 2021 “Not Present and Not Not”, Oil and Gold Dust on Linen, 90×120 cm, 2021
  • “My Endless Journey”, Oil on Linen, 60×120 cm, 2021 “My Endless Journey”, Oil on Linen, 60×120 cm, 2021
  • “Magnetic Field 14”, Oil and Gold Dust on Linen, 60×90 cm, 2021 “Magnetic Field 14”, Oil and Gold Dust on Linen, 60×90 cm, 2021
  • “Glasses Glasses”, Oil on Linen, 50×50, 2021 “Glasses Glasses”, Oil on Linen, 50×50, 2021
  • “Dipole”, Oil on Aluminum, 40×80 cm, 2021 “Dipole”, Oil on Aluminum, 40×80 cm, 2021
  • “Data Base” Oil on Linen, 62×132 cm, 2021 “Data Base” Oil on Linen, 62×132 cm, 2021
  • “Climax”, Oil on Aluminum, 70×145 cm, 2021 “Climax”, Oil on Aluminum, 70×145 cm, 2021
  • “Cider Trees” Oil and Gold Dust on Linen, 40×60 cm, 2021 “Cider Trees” Oil and Gold Dust on Linen, 40×60 cm, 2021
  • “Building 16”, Oil on Linen, 70×100 cm, 2021 “Building 16”, Oil on Linen, 70×100 cm, 2021
  • “Bauhaus 15”, Oil on Linen, 30×80 cm, 2021 “Bauhaus 15”, Oil on Linen, 30×80 cm, 2021
  • “Building 12”, Oil on Linen, 120×90, 2021 “Building 12”, Oil on Linen, 120×90, 2021
  • “Building 11”, Oil and Gold Dust on Linen, 50×90 cm, 2021 “Building 11”, Oil and Gold Dust on Linen, 50×90 cm, 2021
  • “Building 9″ Oil on Linen”, 40×60 cm, 2021 “Building 9″ Oil on Linen”, 40×60 cm, 2021
  • “Building 8”, Oil on Linen, 60×80 cm, 2021 “Building 8”, Oil on Linen, 60×80 cm, 2021
  • “Building 7”, Oil on Linen, 60 x 80, 2021 “Building 7”, Oil on Linen, 60 x 80, 2021
  • “Building 24”, Oil on Linen, 80×60 cm, 2021 “Building 24”, Oil on Linen, 80×60 cm, 2021
  • “At the End the Ego Surrenders” Oil on Linen, 120×90 cm, 2021 “At the End the Ego Surrenders” Oil on Linen, 120×90 cm, 2021
  • “And what about Sol and Luna”, Oil on Linen, 90×120, 2021 “And what about Sol and Luna”, Oil on Linen, 90×120, 2021
  • “A love like this”, Oil on Aluminum, 78×153 cm, 2021 “A love like this”, Oil on Aluminum, 78×153 cm, 2021
  • Oil on Aluminum, 120×120 cm, 2022 Oil on Aluminum, 120×120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 122×122 cm, 2022 Oil on Aluminum, 122×122 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2017 Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2017
  • Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2017 Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2017
  • Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018 Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018
  • Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018 Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018
  • Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018 Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018
  • Oil and Gold Dust on Linen, 90×50 cm, 2020 Oil and Gold Dust on Linen, 90×50 cm, 2020
  • Oil and Gold Dust on Linen, 90×50 cm, 2020 Oil and Gold Dust on Linen, 90×50 cm, 2020
  • Oil on Aluminum, 60×123 cm, 2018 Oil on Aluminum, 60×123 cm, 2018
  • Oil on Aluminum, 60×123 cm, 2018 Oil on Aluminum, 60×123 cm, 2018
  • Oil on Aluminum, 60×123 cm, 2018 Oil on Aluminum, 60×123 cm, 2018
  • Oil and Gold Dust on Linen, 122 x 122 cm, 2010 Oil and Gold Dust on Linen, 122 x 122 cm, 2010
  • Oil on Paper, 185×130 cm, 2017 Oil on Paper, 185×130 cm, 2017
Currently available in New York
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 120 x 80 cm, 2011 Oil on Masonite, 120 x 80 cm, 2011
  • Oil on Masonite, 120 x 80 cm, 2011 Oil on Masonite, 120 x 80 cm, 2011
  • Oil on Masonite, 120 x 80 cm, 2011 Oil on Masonite, 120 x 80 cm, 2011
  • Oil on Masonite, 120 x 80 cm, 2011 Oil on Masonite, 120 x 80 cm, 2011 Oil on canvas, 12"x30", 2021
Year
2022
  • Oil on Aluminum, 50 x 50 cm, 2022 Oil on Aluminum, 50 x 50 cm, 2022
  • “Glory”, Oil on Aluminum, 120×120 cm, 2022 “Glory”, Oil on Aluminum, 120×120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 150 x 50 cm, 2022 Oil on Aluminum, 150 x 50 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 122×122 cm, 2022 Oil on Aluminum, 122×122 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 61×61 cm, 2022 Oil on Aluminum, 61×61 cm, 2022
  • “Shefa”, Oil on Aluminum, 120×120 cm, 2022 “Shefa”, Oil on Aluminum, 120×120 cm, 2022
  • “Wendy”, Oil on Aluminum, 122×122 cm, 2022 “Wendy”, Oil on Aluminum, 122×122 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 122×122 cm, 2022 Oil on Aluminum, 122×122 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 120×120 cm, 2022 Oil on Aluminum, 120×120 cm, 2022
  • “Time of the World”, Oil on Aluminum, 120×120 cm, 2022 “Time of the World”, Oil on Aluminum, 120×120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022 Oil on Aluminum, 120 x 120 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 150×47 cm, 2022 Oil on Aluminum, 150×47 cm, 2022
  • Oil on Aluminum, 150×47 cm, 2022 Oil on Aluminum, 150×47 cm, 2022
2021
  • Oil on Linen, 50 x 50 cm, 2021 Oil on Linen, 50 x 50 cm, 2021
  • “Robedo #2”, Oil and Gold Dust on Linen 50 x 70 cm, 2021 “Robedo #2”, Oil and Gold Dust on Linen 50 x 70 cm, 2021
  • “Robedo #1”, Oil and Gold Dust on Linen 50 x 70 cm, 2021 “Robedo #1”, Oil and Gold Dust on Linen 50 x 70 cm, 2021
  • “Sunset Timer”, Oil on Aluminum, 150 x 47 cm, 2021 “Sunset Timer”, Oil on Aluminum, 150 x 47 cm, 2021
  • “Soror Mystica”, Oil and Gold Dust on Linen, 90 x 120 cm, 2021 “Soror Mystica”, Oil and Gold Dust on Linen, 90 x 120 cm, 2021
  • “Shadow”, oil on linen, 50×50 cm, 2021 “Shadow”, oil on linen, 50×50 cm, 2021
  • Oil and Gold Dust on Linen, 120×90 cm, 2021 Oil and Gold Dust on Linen, 120×90 cm, 2021
  • Oil on Aluminum, 61×61 cm, 2021 Oil on Aluminum, 61×61 cm, 2021
  • Oil on Aluminum, 61×61 cm, 2021 Oil on Aluminum, 61×61 cm, 2021
  • “First Flare of Love”, Oil and Gold Dust on Linen, 60×90 cm, 2021 “First Flare of Love”, Oil and Gold Dust on Linen, 60×90 cm, 2021
  • Oil on Linen, 50×90 cm, 2021 Oil on Linen, 50×90 cm, 2021
  • “Small Landscape #5”, Oil on Linen, 25×30 cm, 2021 “Small Landscape #5”, Oil on Linen, 25×30 cm, 2021
  • “Small Landscape #4”, Oil on Linen, 25×30 cm, 2021 “Small Landscape #4”, Oil on Linen, 25×30 cm, 2021
  • “Small Landscape #6”, Oil on Linen, 25×30 cm, 2021 “Small Landscape #6”, Oil on Linen, 25×30 cm, 2021
  • “The Magician from the West”, Oil on Aluminum, 68×144 cm, 2021 “The Magician from the West”, Oil on Aluminum, 68×144 cm, 2021
  • “Sunnyday”, Oil on Linen, 20×50 cm, 2021 “Sunnyday”, Oil on Linen, 20×50 cm, 2021
  • “Tabula Smaraqdina”, Oil on Aluminum 120×120 cm, 2021 “Tabula Smaraqdina”, Oil on Aluminum 120×120 cm, 2021
  • “Manne”, Oil on aluminum, 78×152 cm, 2021 “Manne”, Oil on aluminum, 78×152 cm, 2021
  • “Magnetic Dipole Moment”, Oil and Gold Dust on Linen, 90×120 cm, 2021 “Magnetic Dipole Moment”, Oil and Gold Dust on Linen, 90×120 cm, 2021
  • “Cathode Rays”, Oil and Gold Dust on Linen, 150×150, 2021 “Cathode Rays”, Oil and Gold Dust on Linen, 150×150, 2021
  • “Building 20”, Oil on Linen, 90×120 cm, 2021 “Building 20”, Oil on Linen, 90×120 cm, 2021
  • “Chemical Wedding”, Oil and Gold Dust on Linen, 90×120, 2021 “Chemical Wedding”, Oil and Gold Dust on Linen, 90×120, 2021
2020
  • “I must see it all”, oil on paper, 23 x 30 cm, 2020 “I must see it all”, oil on paper, 23 x 30 cm, 2020
  • Oil and Gold Dust on Linen, 180×100 cm, 2020 Oil and Gold Dust on Linen, 180×100 cm, 2020
  • Oil on Linen, 120×120 cm, 2020 Oil on Linen, 120×120 cm, 2020
  • Oil on Linen, 120×120 cm, 2020 Oil on Linen, 120×120 cm, 2020
  • Oil on Linen, 61×61 cm, 2020 Oil on Linen, 61×61 cm, 2020
  • Oil on aluminum, 61×61 cm, 2020 Oil on aluminum, 61×61 cm, 2020
  • Oil on aluminum, 50×75 cm, 2020 Oil on aluminum, 50×75 cm, 2020
  • “Alon”, Oil on Linen, 70×70 cm, 2020 “Alon”, Oil on Linen, 70×70 cm, 2020
  • “Tiferet”, Oil on Linen, 70×70 cm, 2020 “Tiferet”, Oil on Linen, 70×70 cm, 2020
  • Oil and Gold Dust on Linen, 90×50 cm, 2020 Oil and Gold Dust on Linen, 90×50 cm, 2020
  • Oil on Linen, 60×40 cm, 2020 Oil on Linen, 60×40 cm, 2020
  • Oil and Gold Dust on Linen, 90×50 cm, 2020 Oil and Gold Dust on Linen, 90×50 cm, 2020
  • Oil and Gold Dust on Linen, 180×100 cm, 2020 Oil and Gold Dust on Linen, 180×100 cm, 2020
  • Oil and Gold Dust on Linen, 60×30 cm, 2020 Oil and Gold Dust on Linen, 60×30 cm, 2020
  • Oil and Gold Dust on Linen, 60×40 cm, 2020 Oil and Gold Dust on Linen, 60×40 cm, 2020
  • Oil and Gold Dust on Linen, 50×50 cm, 2020 Oil and Gold Dust on Linen, 50×50 cm, 2020
  • Gold Capsule Oils and Gold Dust on Linen, 180×100 cm, 2020 Gold Capsule Oils and Gold Dust on Linen, 180×100 cm, 2020
  • Oil on Linen, 40×40 cm, 2020 Oil on Linen, 40×40 cm, 2020
  • Oil and Gold Dust on Linen, 90×50 cm, 2020 Oil and Gold Dust on Linen, 90×50 cm, 2020
  • Oil and Gold Dust on Linen, 80×30 cm, 2020 Oil and Gold Dust on Linen, 80×30 cm, 2020
  • Oil and Gold Dust on Linen, 40×40 cm, 2020 Oil and Gold Dust on Linen, 40×40 cm, 2020
  • Oil and Gold Dust on Linen, 80×30 cm, 2020 Oil and Gold Dust on Linen, 80×30 cm, 2020
  • Oil and Gold Dust on Linen, 80×30 cm, 2020 Oil and Gold Dust on Linen, 80×30 cm, 2020
  • Oil and Gold Dust on Linen, 30×25 cm, 2020 Oil and Gold Dust on Linen, 30×25 cm, 2020
  • Oil and Gold Dust on Linen, 40×40 cm, 2020 Oil and Gold Dust on Linen, 40×40 cm, 2020
  • Oil and Gold Dust on Linen, 40×40 cm, 2020 Oil and Gold Dust on Linen, 40×40 cm, 2020
  • Oil and Gold Dust on Linen, 30×25 cm, 2020 Oil and Gold Dust on Linen, 30×25 cm, 2020
  • Oil and Gold Dust on Linen, 40×40 cm, 2020 Oil and Gold Dust on Linen, 40×40 cm, 2020
  • Oil and Gold Dust on Linen, 30×20 cm, 2020 Oil and Gold Dust on Linen, 30×20 cm, 2020
  • Oil on Linen, 80×30 cm, 2020 Oil on Linen, 80×30 cm, 2020
  • Oil and Gold Dust on Linen, 30×20 cm, 2020 Oil and Gold Dust on Linen, 30×20 cm, 2020
  • Oil and Gold Dust on Linen, 80×30 cm, 2020 Oil and Gold Dust on Linen, 80×30 cm, 2020
  • Oil and Gold Dust on Linen, 40×40 cm, 2020 Oil and Gold Dust on Linen, 40×40 cm, 2020
  • Oil on Linen, 60×60 cm, 2020 Oil on Linen, 60×60 cm, 2020
  • Oil on Linen, 60×60 cm, 2020 Oil on Linen, 60×60 cm, 2020
  • Oil on Linen, 60×60 cm, 2020 Oil on Linen, 60×60 cm, 2020
  • Oil on Linen, 60×60 cm, 2020 Oil on Linen, 60×60 cm, 2020
  • Oil on Linen, 60×60 cm, 2020 Oil on Linen, 60×60 cm, 2020
  • Oil on Linen, 60×60 cm, 2020 Oil on Linen, 60×60 cm, 2020
  • Oil on Linen, 60×60 cm, 2020 Oil on Linen, 60×60 cm, 2020
  • Oil on Linen, 60×60 cm, 2020 Oil on Linen, 60×60 cm, 2020
  • Oil on Linen, 60×60 cm, 2020 Oil on Linen, 60×60 cm, 2020
  • Oil on Linen, 120×120 cm, 2020 Oil on Linen, 120×120 cm, 2020
  • Oil on Linen, 120×120 cm, 2020 Oil on Linen, 120×120 cm, 2020
  • Oil on Linen, 120×120 cm, 2020 Oil on Linen, 120×120 cm, 2020
  • Oil on Linen, 120×120 cm, 2020 Oil on Linen, 120×120 cm, 2020
  • Oil on Linen, 120×120 cm, 2020 Oil on Linen, 120×120 cm, 2020
  • Oil on Linen, 120×120 cm, 2020 Oil on Linen, 120×120 cm, 2020
  • Oil on Linen, 120×120 cm, 2020 Oil on Linen, 120×120 cm, 2020
  • Oil on Linen, 90×50 cm, 2020 Oil on Linen, 90×50 cm, 2020
  • Oil on Linen, 80×80 cm, 2020 Oil on Linen, 80×80 cm, 2020
  • Oil on Linen, 90×50 cm, 2020 Oil on Linen, 90×50 cm, 2020
  • Oil on Linen, 40×40 cm, 2020 Oil on Linen, 40×40 cm, 2020
  • Oil on Linen, 180×100 cm, 2020 Oil on Linen, 180×100 cm, 2020
  • Oil on Linen, 180×100 cm, 2020 Oil on Linen, 180×100 cm, 2020
  • Oil on Linen, 150×100 cm, 2020 Oil on Linen, 150×100 cm, 2020
  • Oil on Linen, 150×100 cm, 2020 Oil on Linen, 150×100 cm, 2020
  • Oil on Linen, 80×40 cm, 2020 Oil on Linen, 80×40 cm, 2020
  • Oil on Linen, 80×40 cm, 2020 Oil on Linen, 80×40 cm, 2020
  • Oil on Linen, 130×60 cm, 2020 Oil on Linen, 130×60 cm, 2020
  • Oil on Linen, 100×100 cm, 2020 Oil on Linen, 100×100 cm, 2020
  • Oil on Linen, 100×100 cm, 2020 Oil on Linen, 100×100 cm, 2020
  • Oil on Linen, 150×150 cm, 2020 Oil on Linen, 150×150 cm, 2020
  • Oil on Linen, 100×100 cm, 2020 Oil on Linen, 100×100 cm, 2020
  • Oil on Linen, 100×100 cm, 2020 Oil on Linen, 100×100 cm, 2020
  • Oil on Linen, 150×150 cm, 2020 Oil on Linen, 150×150 cm, 2020
  • Oil on Linen, 100×100 cm, 2020 Oil on Linen, 100×100 cm, 2020
  • Oil on Linen, 150×150 cm, 2020 Oil on Linen, 150×150 cm, 2020
  • Oil on Linen, 80×40 cm, 2020 Oil on Linen, 80×40 cm, 2020
  • Oil on Linen, 80×40 cm, 2020 Oil on Linen, 80×40 cm, 2020
  • Oil on Linen, 80×40 cm, 2020 Oil on Linen, 80×40 cm, 2020
  • Oil on Linen, 80×40 cm, 2020 Oil on Linen, 80×40 cm, 2020
  • Oil on Linen, 80×40 cm, 2020 Oil on Linen, 80×40 cm, 2020
  • Oil on Linen, 80×40 cm, 2020 Oil on Linen, 80×40 cm, 2020
  • Oil on Linen, 80×400 cm, 2020 Oil on Linen, 80×400 cm, 2020
  • Oil on Linen, 80×40 cm, 2020 Oil on Linen, 80×40 cm, 2020
  • Oil on Linen, 80×40 cm, 2020 Oil on Linen, 80×40 cm, 2020
  • Oil on Linen, 80×40 cm, 2020 Oil on Linen, 80×40 cm, 2020
  • Oil on Linen, 80×40 cm, 2020 Oil on Linen, 80×40 cm, 2020
  • Oil on Linen, 150×100 cm, 2020 Oil on Linen, 150×100 cm, 2020
2019
  • “Gold Spirit”, oil and old dust on linen, 100×73 cm, 2019 “Gold Spirit”, oil and old dust on linen, 100×73 cm, 2019
  • Oil on Linen, 120×90 cm, 2019 Oil on Linen, 120×90 cm, 2019
  • Oil on Linen, 90×120 cm, 2019 Oil on Linen, 90×120 cm, 2019
  • Oil on Linen, 70×100 cm, 2019 Oil on Linen, 70×100 cm, 2019
  • Oil on Aluminum, 60×60 cm, 2019 Oil on Aluminum, 60×60 cm, 2019
  • Oil on Linen, 60×80 cm, 2019 Oil on Linen, 60×80 cm, 2019
  • Oil and Gold Dust on Linen, 100×100 cm, 2019 Oil and Gold Dust on Linen, 100×100 cm, 2019
  • Oil on Linen, 60×60 cm, 2019 Oil on Linen, 60×60 cm, 2019
  • Oil on Linen, 60×60 cm, 2019 Oil on Linen, 60×60 cm, 2019
  • Oil on Linen, 60×80 cm, 2019 Oil on Linen, 60×80 cm, 2019
  • Oil on Linen, 80×40 cm, 2019 Oil on Linen, 80×40 cm, 2019
  • Oil on Linen, 50×20 cm, 2019 Oil on Linen, 50×20 cm, 2019
  • Oil on Linen, 50×20 cm, 2019 Oil on Linen, 50×20 cm, 2019
  • Oil on Linen, 120×90 cm, 2019 Oil on Linen, 120×90 cm, 2019
  • Oil on Linen, 90×120 cm, 2019 Oil on Linen, 90×120 cm, 2019
  • Oil on Linen, 90×120 cm, 2019 Oil on Linen, 90×120 cm, 2019
  • Oil on Linen, 90×120 cm, 2019 Oil on Linen, 90×120 cm, 2019
  • Oil on Linen, 50×20 cm, 2019 Oil on Linen, 50×20 cm, 2019
  • Oil on Linen, 100×70 cm, 2019 Oil on Linen, 100×70 cm, 2019
  • Oil on Linen, 60×30 cm, 2019 Oil on Linen, 60×30 cm, 2019
  • Oil on Linen, 80×60 cm, 2019 Oil on Linen, 80×60 cm, 2019
  • Oil on Linen, 80×60 cm, 2019 Oil on Linen, 80×60 cm, 2019
  • Oil on Linen, 80×60 cm, 2019 Oil on Linen, 80×60 cm, 2019
  • Oil on Linen, 80×60 cm, 2019 Oil on Linen, 80×60 cm, 2019
  • Oil on Linen, 70×100 cm, 2019 Oil on Linen, 70×100 cm, 2019
  • Oil on Linen, 90×120 cm, 2019 Oil on Linen, 90×120 cm, 2019
  • Oil on Linen, 120×90 cm, 2019 Oil on Linen, 120×90 cm, 2019
  • Oil on Linen, 120×90 cm, 2019 Oil on Linen, 120×90 cm, 2019
  • Oil on Linen, 120×90 cm, 2019 Oil on Linen, 120×90 cm, 2019
  • Oil on Linen, 70×100 cm, 2019 Oil on Linen, 70×100 cm, 2019
  • Oil on Linen, 40×40 cm, 2019 Oil on Linen, 40×40 cm, 2019
  • Oil on Linen, 40×40 cm, 2019 Oil on Linen, 40×40 cm, 2019
  • Oil on Linen, 40×40 cm, 2019 Oil on Linen, 40×40 cm, 2019
  • Oil on Linen, 40×40 cm, 2019 Oil on Linen, 40×40 cm, 2019
  • Oil on Linen, 40×40 cm, 2019 Oil on Linen, 40×40 cm, 2019
  • Oil on Linen, 40×40 cm, 2019 Oil on Linen, 40×40 cm, 2019
  • Oil on Linen, 30×25 cm, 2019 Oil on Linen, 30×25 cm, 2019
  • Oil on Linen, 30×25 cm, 2019 Oil on Linen, 30×25 cm, 2019
  • Oil on Linen, 30×25 cm, 2019 Oil on Linen, 30×25 cm, 2019
  • Oil on Linen, 30×25 cm, 2019 Oil on Linen, 30×25 cm, 2019
  • Oil on Linen, 30×30 cm, 2019 Oil on Linen, 30×30 cm, 2019
  • Oil on Linen, 30×30 cm, 2019 Oil on Linen, 30×30 cm, 2019
  • Oil on Linen, 30×30 cm, 2019 Oil on Linen, 30×30 cm, 2019
  • Oil on Linen, 30×30 cm, 2019 Oil on Linen, 30×30 cm, 2019
  • Oil on Linen, 30×30 cm, 2019 Oil on Linen, 30×30 cm, 2019
  • Oil on Linen, 30×30 cm, 2019 Oil on Linen, 30×30 cm, 2019
  • Oil on Linen, 30×30 cm, 2019 Oil on Linen, 30×30 cm, 2019
  • Oil on Linen, 30×30 cm, 2019 Oil on Linen, 30×30 cm, 2019
  • Oil on Linen, 30×30 cm, 2019 Oil on Linen, 30×30 cm, 2019
  • oil on linen, 30×25 cm, 2019 oil on linen, 30×25 cm, 2019
  • Oil on Linen, 25×30 cm, 2019 Oil on Linen, 25×30 cm, 2019
  • Oil on Linen, 25×30 cm, 2019 Oil on Linen, 25×30 cm, 2019
  • Oil on Linen, 30×25 cm, 2019 Oil on Linen, 30×25 cm, 2019
  • Oil on Linen, 30×25 cm, 2019 Oil on Linen, 30×25 cm, 2019
  • Oil on Linen, 40×40 cm, 2019 Oil on Linen, 40×40 cm, 2019
  • Oil on Linen, 40×40 cm, 2019 Oil on Linen, 40×40 cm, 2019
  • Oil on Linen, 40×40 cm, 2019 Oil on Linen, 40×40 cm, 2019
  • Oil on Linen, 120×90 cm, 2019 Oil on Linen, 120×90 cm, 2019
  • Oil on Linen, 100×70 cm, 2019 Oil on Linen, 100×70 cm, 2019
  • Oil on Linen, 100×70 cm, 2019 Oil on Linen, 100×70 cm, 2019
  • Oil on Linen, 120×90 cm, 2019 Oil on Linen, 120×90 cm, 2019
  • Oil on Linen, 50×20 cm, 2019 Oil on Linen, 50×20 cm, 2019
  • Oil on Linen, 25×30 cm, 2019 Oil on Linen, 25×30 cm, 2019
  • Oil on Linen, 25×30 cm, 2019 Oil on Linen, 25×30 cm, 2019
  • Oil on Linen, 30×30 cm, 2019 Oil on Linen, 30×30 cm, 2019
  • Oil on Linen, 30×30 cm, 2019 Oil on Linen, 30×30 cm, 2019
  • Oil on Linen, 40×40 cm, 2019 Oil on Linen, 40×40 cm, 2019
  • Oil on Linen, 70×100 cm, 2019 Oil on Linen, 70×100 cm, 2019
  • Oil on Linen, 70×100 cm, 2019 Oil on Linen, 70×100 cm, 2019
  • Oil on Linen, 90×120 cm, 2019 Oil on Linen, 90×120 cm, 2019
2018
  • Oil on linen, 150×150 cm, 2018 Oil on linen, 150×150 cm, 2018
  • Oil on linen, 90 x 90 cm, 2018 Oil on linen, 90 x 90 cm, 2018
  • Oil on linen, 90 x 90 cm, 2018 Oil on linen, 90 x 90 cm, 2018
  • Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018 Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018
  • Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018 Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018
  • Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018 Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018
  • Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018 Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018
  • Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018 Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018
  • Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018 Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018
  • Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018 Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018
  • Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018 Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018
  • Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018 Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018
  • Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018 Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018
  • Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018 Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018
  • Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018 Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018
  • Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018 Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018
  • Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018 Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018
  • Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018 Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018
  • Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018 Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018
  • Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018 Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018
  • Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018 Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018
  • Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018 Oil on Aluminum, 150×75 cm, 2018
  • Oil and Gold Dust on Linen, 100×100 cm, 2018 Oil and Gold Dust on Linen, 100×100 cm, 2018
  • Oil and Gold Dust on Linen, 100×100 cm, 2018 Oil and Gold Dust on Linen, 100×100 cm, 2018
  • Oil and Gold Dust on Linen, 100×100 cm, 2018 Oil and Gold Dust on Linen, 100×100 cm, 2018
  • Oil on Canvas, 180×200 cm, 2018 Oil on Canvas, 180×200 cm, 2018
  • Oil on Canvas, 200×200 cm, 2018 Oil on Canvas, 200×200 cm, 2018
  • Oil on Canvas, 280×200 cm, 2018 Oil on Canvas, 280×200 cm, 2018
  • Oil on Canvas, 280×200 cm, 2018 Oil on Canvas, 280×200 cm, 2018
  • Breathing Breathing 61x61 cm, oil on linen, 2018
2017
  • Oil on Paper, 185×130 cm, 2017 Oil on Paper, 185×130 cm, 2017
  • Oil on Paper, 185×130 cm, 2017 Oil on Paper, 185×130 cm, 2017
  • Oil on Paper, 185×130 cm, 2017 Oil on Paper, 185×130 cm, 2017
  • Oil on Paper, 185×130 cm, 2017 Oil on Paper, 185×130 cm, 2017
  • Oil on Paper, 185×130 cm, 2017 Oil on Paper, 185×130 cm, 2017
  • Oil on Paper, 185×130 cm, 2017 Oil on Paper, 185×130 cm, 2017
  • Oil on Paper, 185×130 cm, 2017 Oil on Paper, 185×130 cm, 2017
  • Oil on Paper, 185×130 cm, 2017 Oil on Paper, 185×130 cm, 2017
  • Oil on Paper, 185×130 cm, 2017 Oil on Paper, 185×130 cm, 2017
  • Oil on Paper, 185×130 cm, 2017 Oil on Paper, 185×130 cm, 2017
  • Oil on Paper, 185×130 cm, 2017 Oil on Paper, 185×130 cm, 2017
  • Oil on Paper, 185×130 cm, 2017 Oil on Paper, 185×130 cm, 2017
  • Oil on Paper, 185×130 cm, 2017 Oil on Paper, 185×130 cm, 2017
  • Oil on Paper, 185×130 cm, 2017 Oil on Paper, 185×130 cm, 2017
  • Oil on Paper, 185×130 cm, 2017 Oil on Paper, 185×130 cm, 2017
  • Oil on Paper, 185×130 cm, 2017 Oil on Paper, 185×130 cm, 2017
  • Oil on Paper, 185×130 cm, 2017 Oil on Paper, 185×130 cm, 2017
  • Oil on Paper, 185×130 cm, 2017 Oil on Paper, 185×130 cm, 2017
  • Oil on Paper, 185×130 cm, 2017 Oil on Paper, 185×130 cm, 2017
  • Oil on Paper, 185×130 cm, 2017 Oil on Paper, 185×130 cm, 2017
  • Oil on Paper, 185×130 cm, 2017 Oil on Paper, 185×130 cm, 2017
  • Oil on Paper, 110×105 cm, 2017 Oil on Paper, 110×105 cm, 2017
  • Oil on Paper, 110×105 cm, 2017 Oil on Paper, 110×105 cm, 2017
  • Oil on Paper, 110×105 cm, 2017 Oil on Paper, 110×105 cm, 2017
  • Oil on Paper, 110×105 cm, 2017 Oil on Paper, 110×105 cm, 2017
  • Oil on Paper, 110×105 cm, 2017 Oil on Paper, 110×105 cm, 2017
  • Oil on Paper, 110×105 cm, 2017 Oil on Paper, 110×105 cm, 2017
  • Oil on Paper, 110×105 cm, 2017 Oil on Paper, 110×105 cm, 2017
  • Oil on Paper, 110×105 cm, 2017 Oil on Paper, 110×105 cm, 2017
  • Oil on Paper, 110×105 cm, 2017 Oil on Paper, 110×105 cm, 2017
  • Oil on Paper, 110×105 cm, 2017 Oil on Paper, 110×105 cm, 2017
  • Oil on Paper, 110×105 cm, 2017 Oil on Paper, 110×105 cm, 2017
  • Oil on Paper, 220×105 cm, 2017 Oil on Paper, 220×105 cm, 2017
  • Oil on Paper, 220×105 cm, 2017 Oil on Paper, 220×105 cm, 2017
  • Oil on Paper, 103×56 cm, 2017 Oil on Paper, 103×56 cm, 2017
  • Oil on Paper, 103×56 cm, 2017 Oil on Paper, 103×56 cm, 2017
  • Oil on Paper, 103×56 cm, 2017 Oil on Paper, 103×56 cm, 2017
  • Oil on Paper, 103×56 cm, 2017 Oil on Paper, 103×56 cm, 2017
  • Oil on Paper, 103×56 cm, 2017 Oil on Paper, 103×56 cm, 2017
  • Oil on Paper, 103×56 cm, 2017 Oil on Paper, 103×56 cm, 2017
  • Oil on Paper, 103×56 cm, 2017 Oil on Paper, 103×56 cm, 2017
  • Oil on Paper, 103×56 cm, 2017 Oil on Paper, 103×56 cm, 2017
  • Oil on Paper, 103×56 cm, 2017 Oil on Paper, 103×56 cm, 2017
  • Oil on Paper, 103×56 cm, 2017 Oil on Paper, 103×56 cm, 2017
  • Oil on Paper, 103×56 cm, 2017 Oil on Paper, 103×56 cm, 2017
  • Oil on Paper, 103×56 cm, 2017 Oil on Paper, 103×56 cm, 2017
  • Oil on Paper, 103×56 cm, 2017 Oil on Paper, 103×56 cm, 2017
2016
  • Oil on linen, 60 x 90 cm, 2016 Oil on linen, 60 x 90 cm, 2016
  • Oil on linen, 120 x 120 cm, 2016 Oil on linen, 120 x 120 cm, 2016
  • Oil on linen, 180 x 100 cm, 2016 Oil on linen, 180 x 100 cm, 2016
  • Oil on Linen, 65×55 cm, 2016 Oil on Linen, 65×55 cm, 2016
  • Oil on Linen, 65×48 cm, 2016 Oil on Linen, 65×48 cm, 2016
  • Oil on Linen, 65×48 cm, 2016 Oil on Linen, 65×48 cm, 2016
  • Oil on Canvas, 300×30 cm(x2), 2016 Oil on Canvas, 300×30 cm(x2), 2016
2015
  • Oil on Linen, 140×140 cm, 2015 Oil on Linen, 140×140 cm, 2015
  • “Variations with Hands” Performance, Tel Aviv Museum, 2015 “Variations with Hands” Performance, Tel Aviv Museum, 2015
  • Oil on Linen, 73×100 cm, 2015 Oil on Linen, 73×100 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×30 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×30 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×30 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×30 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×30 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×30 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×30 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×30 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×30 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×30 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×30 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×30 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×30 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×30 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015 Oil on Wood Panel, 30×41 cm, 2015
  • Oil and Spray Paint on Canvas, 102×102 cm, 2015 Oil and Spray Paint on Canvas, 102×102 cm, 2015
  • Oil and Spray Paint on Canvas, 102×102 cm, 2015 Oil and Spray Paint on Canvas, 102×102 cm, 2015
  • Oil on Canvas, 102×102 cm, 2015 Oil on Canvas, 102×102 cm, 2015
  • Oil and Spray Paint on Canvas, 102×102 cm, 2015 Oil and Spray Paint on Canvas, 102×102 cm, 2015
  • Oil and Spray Paint on Canvas, 102×102 cm, 2015 Oil and Spray Paint on Canvas, 102×102 cm, 2015
  • Oil and Spray Paint on Canvas, 102×102 cm, 2015 Oil and Spray Paint on Canvas, 102×102 cm, 2015
  • Oil and Spray Paint on Canvas, 102×102 cm, 2015 Oil and Spray Paint on Canvas, 102×102 cm, 2015
  • Oil and Spray Paint on Canvas, 102×102 cm, 2015 Oil and Spray Paint on Canvas, 102×102 cm, 2015
  • Oil on Canvas, 102×102 cm, 2015 Oil on Canvas, 102×102 cm, 2015
  • Oil on Canvas, 102×102 cm, 2015 Oil on Canvas, 102×102 cm, 2015
2014
  • Oil on Aluminum, 60×123 cm, 2014 Oil on Aluminum, 60×123 cm, 2014
  • Oil on Linen, 61×132 cm, 2014 Oil on Linen, 61×132 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 61×91 cm, 2014 Oil on Canvas, 61×91 cm, 2014
  • Oil on Canvas, d.51 cm, 2014 Oil on Canvas, d.51 cm, 2014
  • Oil on Canvas, d.51 cm, 2014 Oil on Canvas, d.51 cm, 2014
  • Oil on Canvas, d.51 cm, 2014 Oil on Canvas, d.51 cm, 2014
  • Oil on Canvas, d.51 cm, 2014 Oil on Canvas, d.51 cm, 2014
  • Oil on Canvas, d.51 cm, 2014 Oil on Canvas, d.51 cm, 2014
  • Oil on Canvas, d.51 cm, 2014 Oil on Canvas, d.51 cm, 2014
  • Oil on Canvas, d.51 cm, 2014 Oil on Canvas, d.51 cm, 2014
  • Oil on Canvas, d.51 cm, 2014 Oil on Canvas, d.51 cm, 2014
  • Oil on Canvas, d.51 cm, 2014 Oil on Canvas, d.51 cm, 2014
  • Oil on Canvas, d.51 cm, 2014 Oil on Canvas, d.51 cm, 2014
  • Oil on Canvas, d.51 cm, 2014 Oil on Canvas, d.51 cm, 2014
  • Oil on Canvas, d.51 cm, 2014 Oil on Canvas, d.51 cm, 2014
  • Oil on Canvas, d.51 cm, 2014 Oil on Canvas, d.51 cm, 2014
  • Oil on Canvas, d.51 cm, 2014 Oil on Canvas, d.51 cm, 2014
  • Oil on Canvas, d.51 cm, 2014 Oil on Canvas, d.51 cm, 2014
  • Oil on Canvas, d.51 cm, 2014 Oil on Canvas, d.51 cm, 2014
  • Oil on Linen, 51×25 cm, 2014 Oil on Linen, 51×25 cm, 2014
  • Oil on Linen, 132×61 cm, 2014 Oil on Linen, 132×61 cm, 2014
  • Oil on Wood Panel, 122×152 cm, 2014 Oil on Wood Panel, 122×152 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 152×122 cm, 2014 Oil on Canvas, 152×122 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014 Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014 Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014 Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014 Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014 Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 102×102 cm, 2014 Oil on Canvas, 102×102 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014 Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014 Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014 Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014 Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014 Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014 Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014 Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014 Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014 Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014 Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014 Oil on Canvas, 100×100 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 122×152 cm, 2014 Oil on Canvas, 122×152 cm, 2014
  • Oil on Linen, 76×76 cm, 2014 Oil on Linen, 76×76 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 147×147 cm, 2014 Oil on Canvas, 147×147 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 137×137 cm, 2014 Oil on Canvas, 137×137 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 137×137 cm, 2014 Oil on Canvas, 137×137 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 137×137 cm, 2014 Oil on Canvas, 137×137 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 147×147 cm, 2014 Oil on Canvas, 147×147 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 138×138 cm, 2014 Oil on Canvas, 138×138 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 132×132 cm, 2014 Oil on Canvas, 132×132 cm, 2014
  • Oil on Masonite, 61×122 cm, 2014 Oil on Masonite, 61×122 cm, 2014
  • Oil on Masonite, 61×122 cm, 2014 Oil on Masonite, 61×122 cm, 2014
  • Oil on Masonite, 61×122 cm, 2014 Oil on Masonite, 61×122 cm, 2014
  • Oil on Masonite, 61×122 cm, 2014 Oil on Masonite, 61×122 cm, 2014
  • Oil on Masonite, 61×122 cm, 2014 Oil on Masonite, 61×122 cm, 2014
  • Oil on Masonite, 61×122 cm, 2014 Oil on Masonite, 61×122 cm, 2014
  • Oil on Masonite, 61×122 cm, 2014 Oil on Masonite, 61×122 cm, 2014
  • Oil on Masonite, 61×122 cm, 2014 Oil on Masonite, 61×122 cm, 2014
  • Oil on Masonite, 61×122 cm, 2014 Oil on Masonite, 61×122 cm, 2014
  • Oil on Masonite, 61×122 cm, 2014 Oil on Masonite, 61×122 cm, 2014
  • Oil on Linen, 46×91 cm, 2014 Oil on Linen, 46×91 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 92×96 cm, 2014 Oil on Canvas, 92×96 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 130×61 cm, 2014 Oil on Canvas, 130×61 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 130×61 cm, 2014 Oil on Canvas, 130×61 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 30×76 cm, 2014 Oil on Canvas, 30×76 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 30×76 cm, 2014 Oil on Canvas, 30×76 cm, 2014
  • Oil and Gold Dust on Linen, 61×132 cm, 2014 Oil and Gold Dust on Linen, 61×132 cm, 2014
  • Oil on Canvas, 30×76 cm, 2014 Oil on Canvas, 30×76 cm, 2014
2013
  • Oil on Linen, 142×142 cm, 2013 Oil on Linen, 142×142 cm, 2013
  • Oil on Linen, 137×137 cm, 2013 Oil on Linen, 137×137 cm, 2013
  • Oil on Linen, 147×147 cm, 2013 Oil on Linen, 147×147 cm, 2013
  • Oil on Canvas, 152×152 cm, 2013 Oil on Canvas, 152×152 cm, 2013
  • Oil on Linen, 142×142 cm, 2013 Oil on Linen, 142×142 cm, 2013
  • Oil on Linen, 122×122 cm, 2013 Oil on Linen, 122×122 cm, 2013
2012
  • Oil on linen, 120 x 60 cm, 2012 Oil on linen, 120 x 60 cm, 2012
  • Oil on linen, 50 x 50 cm, 2012 Oil on linen, 50 x 50 cm, 2012
  • Oil on linen, 100 x 100 cm, 2012 Oil on linen, 100 x 100 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2012
  • Oil on Linen, 90 x 110 cm, 2012 Oil on Linen, 90 x 110 cm, 2012
  • Oil and Glued Fabric on Linen, 117×102 cm, 2012 Oil and Glued Fabric on Linen, 117×102 cm, 2012
  • Oil on Linen, 142×142 cm, 2012 Oil on Linen, 142×142 cm, 2012
  • Oil on Masonite, 220×480 cm, 2012 Oil on Masonite, 220×480 cm, 2012
2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 74×58 cm, 2011 Oil on Paper, 74×58 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 58×74 cm, 2011 Oil on Paper, 58×74 cm, 2011
  • Oil on Paper, 74×58 cm, 2011 Oil on Paper, 74×58 cm, 2011
  • Oil on Paper, 74×58 cm, 2011 Oil on Paper, 74×58 cm, 2011
  • Oil on Linen, 120×51 cm, 2011 Oil on Linen, 120×51 cm, 2011
  • Oil on Linen, 76×76 cm, 2011 Oil on Linen, 76×76 cm, 2011
  • Oil on Linen, 137×137 cm, 2011 Oil on Linen, 137×137 cm, 2011
  • Oil on Linen, 137×137 cm, 2011 Oil on Linen, 137×137 cm, 2011
  • Oil on Linen, 142×142 cm, 2011 Oil on Linen, 142×142 cm, 2011
  • Oil on Linen, 178×76 cm, 2011 Oil on Linen, 178×76 cm, 2011
  • Oil on Canvas, 76×76 cm, 2011 Oil on Canvas, 76×76 cm, 2011
  • Oil on Linen, 76×76 cm, 2011 Oil on Linen, 76×76 cm, 2011
  • Oil on Canvas, 76×76 cm, 2011 Oil on Canvas, 76×76 cm, 2011
  • Oil and Wool on Linen, 122×122 cm, 2011 Oil and Wool on Linen, 122×122 cm, 2011
  • Oil on Linen, 142×142 cm, 2011 Oil on Linen, 142×142 cm, 2011
  • Oil and Gold Dust on Canvas, 137×137 cm, 2011 Oil and Gold Dust on Canvas, 137×137 cm, 2011
  • Oil on Linen, 142×142 cm, 2011 Oil on Linen, 142×142 cm, 2011
  • Oil Gold Dust and Collage on Linen, 132×61 cm, 2011 Oil Gold Dust and Collage on Linen, 132×61 cm, 2011
2010
  • Oil on Linen, 120×51 cm, 2010 Oil on Linen, 120×51 cm, 2010
  • Oil and Gold Dust on Linen, 147×147 cm, 2010 Oil and Gold Dust on Linen, 147×147 cm, 2010
  • Oil and Gold Dust on Linen, 112×112 cm, 2010 Oil and Gold Dust on Linen, 112×112 cm, 2010
  • Oil and Gold Dust on Linen, 61×132 cm, 2010 Oil and Gold Dust on Linen, 61×132 cm, 2010
  • Oil and Gold Dust on Linen, 132×132 cm, 2010 Oil and Gold Dust on Linen, 132×132 cm, 2010
  • Oil and Gold Dust on Linen, 61×132 cm, 2010 Oil and Gold Dust on Linen, 61×132 cm, 2010
  • Oil and Gold Dust on Linen, 61×91 cm, 2010 Oil and Gold Dust on Linen, 61×91 cm, 2010
  • Oil on Masonite, 122×488 cm, 2010 Oil on Masonite, 122×488 cm, 2010
  • Oil on Linen, 61×91 cm, 2010 Oil on Linen, 61×91 cm, 2010
  • Oil and Gold Dust on Canvas, 61×132 cm, 2010 Oil and Gold Dust on Canvas, 61×132 cm, 2010
  • Oil and Gold Dust on Canvas, 61×132 cm, 2010 Oil and Gold Dust on Canvas, 61×132 cm, 2010
  • Oil and Gold Dust on Canvas, 61×132 cm, 2010 Oil and Gold Dust on Canvas, 61×132 cm, 2010
  • Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010 Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010
  • Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010 Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010
  • Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010 Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010
  • Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010 Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010
  • Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010 Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010
  • Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010 Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010
  • Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010 Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010
  • Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010 Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010
  • Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010 Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010
  • Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010 Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010
  • Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010 Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010
  • Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010 Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010
  • Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010 Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010
  • Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010 Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010
  • Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010 Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010
  • Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010 Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010
  • Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010 Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010
  • Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010 Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010
  • Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010 Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010
  • Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010 Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010
  • Oil on Linen, 91×61 cm, 2010 Oil on Linen, 91×61 cm, 2010
  • Oil on Linen, 137×137 cm, 2010 Oil on Linen, 137×137 cm, 2010
  • Oil and Gold Dust on Linen, 137×137 cm, 2010 Oil and Gold Dust on Linen, 137×137 cm, 2010
  • Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010 Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010
  • Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010 Oil on Masonite, 61×61 cm, 2010
  • Oil on Linen, 137×137 cm, 2010 Oil on Linen, 137×137 cm, 2010
  • Oil on Linen, 76×76 cm, 2010 Oil on Linen, 76×76 cm, 2010
  • Oil on Linen, 76×76 cm, 2010 Oil on Linen, 76×76 cm, 2010
  • Oil on Linen, 132×61 cm, 2010 Oil on Linen, 132×61 cm, 2010
  • Oil on Linen, 142×142 cm, 2010 Oil on Linen, 142×142 cm, 2010
  • Oil on Linen, 137×137 cm, 2010 Oil on Linen, 137×137 cm, 2010
  • Oil and Gold Dust on Canvas, d.41 cm, 2010 Oil and Gold Dust on Canvas, d.41 cm, 2010
  • Oil and Gold Dust on Canvas, d.41 cm, 2010 Oil and Gold Dust on Canvas, d.41 cm, 2010
2009
  • Oil and Gold Dust on Canvas, 137x137cm, 2009 Oil and Gold Dust on Canvas, 137x137cm, 2009
  • Oil on Canvas, 71×122 cm, 2009 Oil on Canvas, 71×122 cm, 2009
  • Oil on Linen, 138×138 cm, 2009 Oil on Linen, 138×138 cm, 2009
  • Oil and Gold Dust on Canvas, d.46 cm, 2009 Oil and Gold Dust on Canvas, d.46 cm, 2009
  • Oil on Linen, 137×660 cm, 2009 Oil on Linen, 137×660 cm, 2009
  • Oil on Linen, 138×138 cm, 2009 Oil on Linen, 138×138 cm, 2009
  • Oil on Linen, 138×138 cm, 2009 Oil on Linen, 138×138 cm, 2009
  • Oil on Linen, 138×138 cm, 2009 Oil on Linen, 138×138 cm, 2009
  • Oil and Gold Dust on Canvas, d.46 cm, 2009 Oil and Gold Dust on Canvas, d.46 cm, 2009
  • Oil and Gold Dust on Canvas, d.46 cm, 2009 Oil and Gold Dust on Canvas, d.46 cm, 2009
  • Oil and Gold Dust on Canvas, d.46 cm, 2009 Oil and Gold Dust on Canvas, d.46 cm, 2009
  • Oil and Gold Dust on Canvas, d.41 cm, 2009 Oil and Gold Dust on Canvas, d.41 cm, 2009
  • Oil and Gold Dust on Canvas, d.41 cm, 2009 Oil and Gold Dust on Canvas, d.41 cm, 2009
  • Oil and Gold Dust on Canvas, d.41 cm, 2009 Oil and Gold Dust on Canvas, d.41 cm, 2009
  • Oil on Linen,138×138 cm, 2009 Oil on Linen,138×138 cm, 2009
  • Oil and Gold Powder on Linen, 61×137 cm, 2009 Oil and Gold Powder on Linen, 61×137 cm, 2009
  • Oil and Gold Powder on Linen, 61×137 cm, 2009 Oil and Gold Powder on Linen, 61×137 cm, 2009
  • Oil and Gold Powder on Linen, 71×122 cm, 2009 Oil and Gold Powder on Linen, 71×122 cm, 2009
  • Oil and Gold Powder on Linen, 148×148 cm, 2009 Oil and Gold Powder on Linen, 148×148 cm, 2009
  • Oil and Gold Powder on Linen, 148×148 cm, 2009 Oil and Gold Powder on Linen, 148×148 cm, 2009
  • Oil and Gold Powder on Linen, 138×138 cm, 2009 Oil and Gold Powder on Linen, 138×138 cm, 2009
  • Oil and Gold Powder on Linen, 138×138 cm, 2009 Oil and Gold Powder on Linen, 138×138 cm, 2009
  • Oil and Gold Powder on Linen, 61×91 cm, 2009 Oil and Gold Powder on Linen, 61×91 cm, 2009
  • oil and gold powder on linen, 61×137 cm, 2009 oil and gold powder on linen, 61×137 cm, 2009
  • Oil and Gold Powder on Linen, 91×183 cm, 2009 Oil and Gold Powder on Linen, 91×183 cm, 2009
  • Oil and Gold Powder on Linen, 91×183 cm, 2009 Oil and Gold Powder on Linen, 91×183 cm, 2009
  • Oil o Linen, 138×138 cm, 2009 Oil o Linen, 138×138 cm, 2009
2008
  • Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008 Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008
  • Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008 Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008
  • Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008 Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008
  • Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008 Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008
  • Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008 Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008
  • Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008 Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008
  • Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008 Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008
  • Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008 Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008
  • Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008 Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008
  • Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008 Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008
  • Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008 Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008
  • Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008 Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008
  • Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008 Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008
  • Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008 Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008
  • Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008 Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008
  • Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008 Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008
  • Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008 Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008
  • Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008 Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008
  • Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008 Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008
  • Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008 Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008
  • Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008 Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008
  • Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008 Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008
  • Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008 Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008
  • Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008 Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008
  • Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008 Graphite on Paper, 74×58 cm, 2008
  • Oil on Linen, 61×91 cm, 2008 Oil on Linen, 61×91 cm, 2008
  • Oil on Linen, 36×36 cm, 2008 Oil on Linen, 36×36 cm, 2008
  • Oil on Linen, 132×132 cm, 2008 Oil on Linen, 132×132 cm, 2008
  • Oil on Linen, 51×137 cm, 2008 Oil on Linen, 51×137 cm, 2008
  • Oil on Linen, 61×91 cm, 2008 Oil on Linen, 61×91 cm, 2008
  • Oil o Linen, 61×91 cm, 2008 Oil o Linen, 61×91 cm, 2008
  • Oil o Linen, 61×91 cm, 2008 Oil o Linen, 61×91 cm, 2008
  • Oil on Linen, 60×90 cm, 2008 Oil on Linen, 60×90 cm, 2008
  • Oil on Linen, 130×130 cm, 2008 Oil on Linen, 130×130 cm, 2008
  • Oil on Linen, 130×130 cm, 2008 Oil on Linen, 130×130 cm, 2008
  • Oil on Linen, 130×130 cm, 2008 Oil on Linen, 130×130 cm, 2008
  • Oil on Linen, 60×90 cm, 2008 Oil on Linen, 60×90 cm, 2008
  • Oil on Linen, 60×90 cm, 2008 Oil on Linen, 60×90 cm, 2008
2007
  • Oil on Paper, 60×40 cm, 2007 Oil on Paper, 60×40 cm, 2007
  • Oil on Paper, 60×40 cm, 2007 Oil on Paper, 60×40 cm, 2007
  • Oil on Paper, 60×40 cm, 2007 Oil on Paper, 60×40 cm, 2007
  • Oil on Paper, 60×40 cm, 2007 Oil on Paper, 60×40 cm, 2007
  • Oil on Paper, 60×40 cm, 2007 Oil on Paper, 60×40 cm, 2007
  • Oil on Paper, 60×40 cm, 2007 Oil on Paper, 60×40 cm, 2007
  • Oil on Paper, 60×40 cm, 2007 Oil on Paper, 60×40 cm, 2007
  • Oil on Paper, 60×40 cm, 2007 Oil on Paper, 60×40 cm, 2007
  • Oil on Paper, 60×40 cm, 2007 Oil on Paper, 60×40 cm, 2007
  • Oil on Paper, 60×40 cm, 2007 Oil on Paper, 60×40 cm, 2007
  • Oil on Paper, 60×40 cm, 2007 Oil on Paper, 60×40 cm, 2007
  • Oil on Paper, 60×40 cm, 2007 Oil on Paper, 60×40 cm, 2007
  • Oil on Canvas, 120×480 cm, 2007 Oil on Canvas, 120×480 cm, 2007
  • Oil on Canvas, 36×36 cm, 2007 Oil on Canvas, 36×36 cm, 2007
  • Oil on Canvas, 36×36 cm, 2007 Oil on Canvas, 36×36 cm, 2007
  • Oil on Canvas, 122×71 cm, 2007 Oil on Canvas, 122×71 cm, 2007
  • Oil on Canvas, 122×71 cm, 2007 Oil on Canvas, 122×71 cm, 2007
  • Oil on Canvas, 60×130 cm, 2007 Oil on Canvas, 60×130 cm, 2007
  • Oil on Canvas, 60×130 cm, 2007 Oil on Canvas, 60×130 cm, 2007
  • Oil on Canvas, 60×130 cm, 2007 Oil on Canvas, 60×130 cm, 2007
  • Oil on Linen, 120×365 cm, 2007 Oil on Linen, 120×365 cm, 2007
  • Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007 Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007
  • Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007 Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007
  • Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007 Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007
  • Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007 Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007
  • Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007 Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007
  • Graphite on Paper, 58×74 cm, 2007 Graphite on Paper, 58×74 cm, 2007
  • Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007 Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007
  • Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007 Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007
  • Oil on Canvas, 61×137 cm, 2007 Oil on Canvas, 61×137 cm, 2007
  • Oil on Canvas, 61×137 cm, 2007 Oil on Canvas, 61×137 cm, 2007
  • Oil on Canvas, 130×60 cm, 2007 Oil on Canvas, 130×60 cm, 2007
  • Oil on Canvas, 61×137 cm, 2007 Oil on Canvas, 61×137 cm, 2007
  • Oil on Canvas, 130×60 cm, 2007 Oil on Canvas, 130×60 cm, 2007
  • Oil on Canvas, 130×60 cm, 2007 Oil on Canvas, 130×60 cm, 2007
  • Oil on Linen, 35×35 cm, 2007 Oil on Linen, 35×35 cm, 2007
  • Oil on Linen, 35×35 cm, 2007 Oil on Linen, 35×35 cm, 2007
  • Oil on Linen, 130×60 cm, 2007 Oil on Linen, 130×60 cm, 2007
  • Oil on Linen, 130×60 cm, 2007 Oil on Linen, 130×60 cm, 2007
  • Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007 Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007
  • Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007 Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007
  • Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007 Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007
  • Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007 Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007
  • Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007 Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007
  • Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007 Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007
  • Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007 Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007
  • Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007 Graphite on Paper, 70×60 cm, 2007
  • Oil on Linen, 130×660 cm, 2007 Oil on Linen, 130×660 cm, 2007
2006
  • Oil on Linen, 100×180 cm, 2006 Oil on Linen, 100×180 cm, 2006
  • Oil on Canvas, 50×50 cm, 2006 Oil on Canvas, 50×50 cm, 2006
  • Oil and Gold Dust on Canvas, 150×150 cm, 2006 Oil and Gold Dust on Canvas, 150×150 cm, 2006
  • Oil on Canvas, 81×76 cm, 2006 Oil on Canvas, 81×76 cm, 2006
  • Oil on Canvas, 81×76 cm, 2006 Oil on Canvas, 81×76 cm, 2006
  • Oil on Canvas, 81×76 cm, 2006 Oil on Canvas, 81×76 cm, 2006
  • Oil on Canvas, 81×76 cm, 2006 Oil on Canvas, 81×76 cm, 2006
  • Oil on Canvas, 81×76 cm, 2006 Oil on Canvas, 81×76 cm, 2006
  • Oil on Canvas, 81×76 cm, 2006 Oil on Canvas, 81×76 cm, 2006
  • Oil on Canvas, 81×76 cm, 2006 Oil on Canvas, 81×76 cm, 2006
  • Oil on Canvas, 81×76 cm, 2006 Oil on Canvas, 81×76 cm, 2006
  • Oil on Canvas, 70×122 cm, 2006 Oil on Canvas, 70×122 cm, 2006
  • Oil on Canvas, 70×122 cm, 2006 Oil on Canvas, 70×122 cm, 2006
  • Oil on Canvas, 70×122 cm, 2006 Oil on Canvas, 70×122 cm, 2006
  • Oil on Canvas, 70×122 cm, 2006 Oil on Canvas, 70×122 cm, 2006
  • Oil on Canvas, 70×122 cm, 2006 Oil on Canvas, 70×122 cm, 2006
  • Oil on Canvas, 70×122 cm, 2006 Oil on Canvas, 70×122 cm, 2006
  • Oil on Canvas, 70×122 cm, 2006 Oil on Canvas, 70×122 cm, 2006
  • Oil on Canvas, 70×122 cm, 2006 Oil on Canvas, 70×122 cm, 2006
  • Oil on Canvas, 70×122 cm, 2006 Oil on Canvas, 70×122 cm, 2006
  • Oil on Canvas, 70×122 cm, 2006 Oil on Canvas, 70×122 cm, 2006
  • Oil on Canvas, 140×140 cm, 2006 Oil on Canvas, 140×140 cm, 2006
  • Oil on Canvas, 81×76 cm, 2006 Oil on Canvas, 81×76 cm, 2006
  • Oil on Canvas, 81×76 cm, 2006 Oil on Canvas, 81×76 cm, 2006
  • Oil on Canvas, 137×137 cm, 2006 Oil on Canvas, 137×137 cm, 2006
  • Oil on Canvas, 147×147 cm, 2006 Oil on Canvas, 147×147 cm, 2006
  • Oil on Canvas, 152×152 cm, 2006 Oil on Canvas, 152×152 cm, 2006
  • Oil on Canvas, 152×152 cm, 2006 Oil on Canvas, 152×152 cm, 2006
2005
  • Oil on linen, 150 x 100 cm, 2005 Oil on linen, 150 x 100 cm, 2005
  • Oil on Masonite, 400×210 cm, 2005 Oil on Masonite, 400×210 cm, 2005
  • Oil on Canvas, 130×130 cm, 2005 Oil on Canvas, 130×130 cm, 2005
  • Oil on Canvas, 60×120 cm, 2005 Oil on Canvas, 60×120 cm, 2005
  • Oil on Canvas, 130×130 cm, 2005 Oil on Canvas, 130×130 cm, 2005
  • Oil on Canvas, 130×130 cm, 2005 Oil on Canvas, 130×130 cm, 2005
  • Oil on Linen, 150×150 cm, 2005 Oil on Linen, 150×150 cm, 2005
  • Oil on Canvas, 70×70 cm, 2005 Oil on Canvas, 70×70 cm, 2005
  • Oil on Canvas, 70×70 cm, 2005 Oil on Canvas, 70×70 cm, 2005
  • Oil on Canvas, 60×130 cm, 2005 Oil on Canvas, 60×130 cm, 2005
  • Oil on Canvas, 60×130 cm, 2005 Oil on Canvas, 60×130 cm, 2005
  • Oil on Canvas, 60×130 cm, 2005 Oil on Canvas, 60×130 cm, 2005
  • Oil on Linen, 50×130 cm, 2005 Oil on Linen, 50×130 cm, 2005
  • Oil on Canvas, 140×140 cm, 2005 Oil on Canvas, 140×140 cm, 2005
  • Oil on Linen, 137×137 cm, 2005 Oil on Linen, 137×137 cm, 2005
  • Oil on Linen, 122×366 cm, 2005 Oil on Linen, 122×366 cm, 2005
  • Oil on Linen, 122×366 cm (each panel 122×122 cm) , 2005 Oil on Linen, 122×366 cm (each panel 122×122 cm) , 2005
  • Oil on Linen, 51×137 cm, 2005 Oil on Linen, 51×137 cm, 2005
2004
  • Oil on Linen, 150×150 cm, 2004 Oil on Linen, 150×150 cm, 2004
  • Oil on Canvas, 70×70 cm, 2004 Oil on Canvas, 70×70 cm, 2004
  • Oil on Canvas, 70×70 cm, 2004 Oil on Canvas, 70×70 cm, 2004
  • Oil on Canvas, 70×70 cm, 2004 Oil on Canvas, 70×70 cm, 2004
  • Oil on Canvas, 70×70 cm, 2004 Oil on Canvas, 70×70 cm, 2004
  • Oil on Canvas, 150×150 cm, 2004 Oil on Canvas, 150×150 cm, 2004
  • Oil on Canvas, 150×150 cm, 2004 Oil on Canvas, 150×150 cm, 2004
  • Oil on Canvas, 150×150 cm, 2004 Oil on Canvas, 150×150 cm, 2004
  • Oil on Canvas, 150×150 cm, 2004 Oil on Canvas, 150×150 cm, 2004
  • Oil on Canvas, 150×150 cm, 2004 Oil on Canvas, 150×150 cm, 2004
  • Oil on Canvas, 150×150 cm, 2004 Oil on Canvas, 150×150 cm, 2004
  • Oil on Canvas, 150×150 cm, 2004 Oil on Canvas, 150×150 cm, 2004
  • Oil on Canvas, 150×150 cm, 2004 Oil on Canvas, 150×150 cm, 2004
  • Oil on Canvas, 150×150 cm, 2004 Oil on Canvas, 150×150 cm, 2004
  • Oil on Canvas, 137×137 cm, 2004 Oil on Canvas, 137×137 cm, 2004
  • Oil on Canvas, 137×137 cm, 2004 Oil on Canvas, 137×137 cm, 2004
  • Oil on Linen, 150X150 CM, 2004 Oil on Linen, 150X150 CM, 2004
  • Oil on Linen, 150X150 CM, 2004 Oil on Linen, 150X150 CM, 2004
2003
  • Oil on Linen, 130×130 cm, 2003 Oil on Linen, 130×130 cm, 2003
  • Oil on Linen, 130×130 cm, 2003 Oil on Linen, 130×130 cm, 2003
  • Oil on Linen, 130×130 cm, 2003 Oil on Linen, 130×130 cm, 2003
  • Oil on Linen, 130×130 cm, 2003 Oil on Linen, 130×130 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 120×120 cm, 2003 Oil on Masonite, 120×120 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003
  • Oil on Linen, 130×130 cm, 2003 Oil on Linen, 130×130 cm, 2003
  • Oil on Linen, 130×130 cm, 2003 Oil on Linen, 130×130 cm, 2003
  • Oil on Linen, 130×130 cm, 2003 Oil on Linen, 130×130 cm, 2003
  • Oil on Linen, 130×130 cm, 2003 Oil on Linen, 130×130 cm, 2003
  • Oil on Linen, 130×130 cm, 2003 Oil on Linen, 130×130 cm, 2003
  • Oil on Linen, 130×130 cm, 2003 Oil on Linen, 130×130 cm, 2003
  • Oil on Linen, 130×130 cm, 2003 Oil on Linen, 130×130 cm, 2003
  • Oil on Linen, 152×152 cm, 2003 Oil on Linen, 152×152 cm, 2003
  • Oil on Canvas, 130×130 cm, 2003 Oil on Canvas, 130×130 cm, 2003
  • Oil on Linen, 150×150 cm, 2003 Oil on Linen, 150×150 cm, 2003
  • Oil on Linen, 150×150 cm, 2003 Oil on Linen, 150×150 cm, 2003
  • Oil on Canvas, 130×130 cm, 2003 Oil on Canvas, 130×130 cm, 2003
  • Oil on Canvas, 130×130 cm, 2003 Oil on Canvas, 130×130 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 130×130 cm, 2003 Oil on Masonite, 130×130 cm, 2003
  • Oil on Linen, 132×132 cm, 2003 Oil on Linen, 132×132 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003
  • Oil on Linen, 130X130 CM, 2003 Oil on Linen, 130X130 CM, 2003
  • Oil on Linen, 150X150 CM, 2003 Oil on Linen, 150X150 CM, 2003
  • Oil on Linen, 130X130 CM, 2003 Oil on Linen, 130X130 CM, 2003
  • Oil on Masonite, 30X122 CM, 2003 Oil on Masonite, 30X122 CM, 2003
  • Oil on Masonite, 30X122 CM, 2003 Oil on Masonite, 30X122 CM, 2003
  • Oil on Canvas, 152X152 CM, 2003 Oil on Canvas, 152X152 CM, 2003
  • Oil on Canvas, 152X152 CM, 2003 Oil on Canvas, 152X152 CM, 2003
  • Oil on Linen, 132X132 CM, 2003 Oil on Linen, 132X132 CM, 2003
  • Oil on Linen, 150X150 CM, 2003 Oil on Linen, 150X150 CM, 2003
  • Oil on Linen, 130×130 cm, 2003 Oil on Linen, 130×130 cm, 2003
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2003
2002
  • Oil on Masonite, 35×120 cm, 2002 Oil on Masonite, 35×120 cm, 2002
  • Oil on Canvas, 130×80 cm, 2002 Oil on Canvas, 130×80 cm, 2002
  • Oil on Canvas, 70×100 cm, 2002 Oil on Canvas, 70×100 cm, 2002
  • Oil on Canvas, 90×90 cm, 2002 Oil on Canvas, 90×90 cm, 2002
  • Oil on Masonite, 120×120 cm, 2002 Oil on Masonite, 120×120 cm, 2002
  • Oil on Masonite, 120×120 cm, 2002 Oil on Masonite, 120×120 cm, 2002
  • Oil on Canvas, 90×90 cm, 2002 Oil on Canvas, 90×90 cm, 2002
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2002
2001
  • Oil on Canvas, d.51 cm, 2001 Oil on Canvas, d.51 cm, 2001
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001 Oil on Masonite, 122×122 cm, 2001
1999
  • Oil on Masonite, 122×84 cm, 1999 Oil on Masonite, 122×84 cm, 1999
  • Oil on Masonite, 70X122 CM, 1999 Oil on Masonite, 70X122 CM, 1999
  • Oil on Masonite, 70X122 CM, 1999 Oil on Masonite, 70X122 CM, 1999
  • Oil on Masonite, 70X122 CM, 1999 Oil on Masonite, 70X122 CM, 1999
  • Oil on Masonite, 70X122 CM, 1999 Oil on Masonite, 70X122 CM, 1999
  • Oil on Masonite, 70X122 CM, 1999 Oil on Masonite, 70X122 CM, 1999
  • Oil on Masonite, 70X122 CM, 1999 Oil on Masonite, 70X122 CM, 1999
  • Oil on Masonite, 70X122 CM, 1999 Oil on Masonite, 70X122 CM, 1999
  • Oil on Masonite, 70X122 CM, 1999 Oil on Masonite, 70X122 CM, 1999
  • Oil on Masonite, 70X122 CM, 1999 Oil on Masonite, 70X122 CM, 1999
  • Oil on Masonite, 70X122 CM, 1999 Oil on Masonite, 70X122 CM, 1999
  • Oil on Masonite, 70X122 CM, 1999 Oil on Masonite, 70X122 CM, 1999
  • Oil on Masonite, 70×122 cm, 1999 Oil on Masonite, 70×122 cm, 1999
  • Oil on Masonite, 70×122 cm, 1999 Oil on Masonite, 70×122 cm, 1999
  • Oil on Masonite, 46×80 cm, 1999 Oil on Masonite, 46×80 cm, 1999
  • Oil on Masonite, 70×122 cm, 1999 Oil on Masonite, 70×122 cm, 1999
  • Oil on Masonite, 70×122 cm, 1999 Oil on Masonite, 70×122 cm, 1999
  • Oil on Masonite, 46×80 cm, 1999 Oil on Masonite, 46×80 cm, 1999
  • Oil on Masonite, 70×122 cm, 1999 Oil on Masonite, 70×122 cm, 1999
1998
  • Oil on Masonite, 40 x 221 cm, 1998 Oil on Masonite, 40 x 221 cm, 1998
  • Oil on Masonite, 80x80cm, 1998 Oil on Masonite, 80x80cm, 1998
  • Oil on Masonite, 70×190 cm, 1998 Oil on Masonite, 70×190 cm, 1998
  • Oil on Masonite, 40×222 cm, 1998 Oil on Masonite, 40×222 cm, 1998
  • Oil on Masonite, 40×222 cm, 1998 Oil on Masonite, 40×222 cm, 1998
  • Oil on Masonite, 70×190 cm, 1998 Oil on Masonite, 70×190 cm, 1998
  • Oil on Masonite, 40×222 cm, 1998 Oil on Masonite, 40×222 cm, 1998
  • Oil on Masonite, 70×190 cm, 1998 Oil on Masonite, 70×190 cm, 1998
  • Oil on Masonite, 70×190 cm, 1998 Oil on Masonite, 70×190 cm, 1998
  • Oil on Masonite, 80×80 cm, 1998 Oil on Masonite, 80×80 cm, 1998
1997
  • Oil on Masonite,  cm, 1997 Oil on Masonite, cm, 1997
  • Oil on Masonite, 222×40 cm, 1997 Oil on Masonite, 222×40 cm, 1997
  • Oil on Masonite, 70×190 cm, 1997 Oil on Masonite, 70×190 cm, 1997
  • Oil on Masonite, 70×190 cm, 1997 Oil on Masonite, 70×190 cm, 1997
  • Oil on Masonite, 70×190 cm, 1997 Oil on Masonite, 70×190 cm, 1997
  • Oil on Masonite, 120×120 cm, 1997 Oil on Masonite, 120×120 cm, 1997
  • Oil on Masonite, 120×120 cm, 1997 Oil on Masonite, 120×120 cm, 1997
  • Oil on Masonite, 70×190 cm, 1997 Oil on Masonite, 70×190 cm, 1997
  • Oil on Masonite, 40×222 cm, 1997 Oil on Masonite, 40×222 cm, 1997
  • Oil on Masonite, 40×222 cm, 1997 Oil on Masonite, 40×222 cm, 1997
  • Oil on Masonite, 70×190 cm, 1997 Oil on Masonite, 70×190 cm, 1997
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 1997 Oil on Masonite, 122×122 cm, 1997
  • Oil on Masonite, 140×190 cm, 1997 Oil on Masonite, 140×190 cm, 1997
  • Oil on Masonite, 140×190 cm, 1997 Oil on Masonite, 140×190 cm, 1997
1996
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 1996 Oil on Masonite, 122×122 cm, 1996
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 1996 Oil on Masonite, 122×122 cm, 1996
  • Oil on Masonite, 50×50 cm, 1996 Oil on Masonite, 50×50 cm, 1996
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 1996 Oil on Masonite, 122×122 cm, 1996
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 1996 Oil on Masonite, 122×122 cm, 1996
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 1996 Oil on Masonite, 122×122 cm, 1996
  • Oil on Masonite, 60×60 cm, 1996 Oil on Masonite, 60×60 cm, 1996
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 1996 Oil on Masonite, 122×122 cm, 1996
1995
  • Oil on Masonite, 140x190cm, 1995 Oil on Masonite, 140x190cm, 1995
  • Oil on Masonite, 140×190 cm, 1995 Oil on Masonite, 140×190 cm, 1995
  • Oil on Masonite, 140×190 cm, 1995 Oil on Masonite, 140×190 cm, 1995
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 1995 Oil on Masonite, 122×122 cm, 1995
  • Oil on Masonite, 140×190 cm, 1995 Oil on Masonite, 140×190 cm, 1995
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 1995 Oil on Masonite, 122×122 cm, 1995
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 1995 Oil on Masonite, 122×122 cm, 1995
  • Oil on Masonite, 140×190 cm, 1995 Oil on Masonite, 140×190 cm, 1995
  • Oil on Masonite, 140×190 cm, 1995 Oil on Masonite, 140×190 cm, 1995
  • Oil on Masonite, 140×190 cm, 1995 Oil on Masonite, 140×190 cm, 1995
1994
  • Graphite on Wax paper, 70×100 cm, 1994 Graphite on Wax paper, 70×100 cm, 1994
  • Graphite on Wax paper, 110×110 cm, 1994 Graphite on Wax paper, 110×110 cm, 1994
  • Graphite on Wax paper, 110×110 cm, 1994 Graphite on Wax paper, 110×110 cm, 1994
  • Graphite on Wax paper, 110×110 cm, 1994 Graphite on Wax paper, 110×110 cm, 1994
  • Graphite on Wax paper, 110×110 cm, 1994 Graphite on Wax paper, 110×110 cm, 1994
  • Oil on Masonite, 140×190 cm, 1994 Oil on Masonite, 140×190 cm, 1994
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 1994 Oil on Masonite, 122×122 cm, 1994
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 1994 Oil on Masonite, 122×122 cm, 1994
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 1994 Oil on Masonite, 122×122 cm, 1994
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 1994 Oil on Masonite, 122×122 cm, 1994
  • Oil on Masonite, 122×122 cm, 1994 Oil on Masonite, 122×122 cm, 1994
  • Oil on Masonite, 140×190 cm, 1994 Oil on Masonite, 140×190 cm, 1994
1993
  • Oil on Photo Paper, 140×60 cm, 1993 Oil on Photo Paper, 140×60 cm, 1993
Name Year Publication Author
2022
בריאה מתמשכת, Haaretz / Text by עוזי צור
2022Haaretzעוזי צור

רשמים מביקור בתערוכות החדשות של מרים כבסה, “Long Way Home”, ומיכל סופיה טוביאס, “כל מה שיוצא מההר”

אוצר: איתן בוגנים, סדנאות האמנים תל אביב, מרים כבסה

אלוהים הוא אשה שבמעשה הבריאה אינה מפרידה בין חושך לאור, בין אין־חומר לחומר, אינה בוראת את האדם, מסרבת לברוא את האשה מצלעו, אלא מחילה את הנקבי, את הנשי על־פני הבריאה כולה.

לא היה אף אמן שזרח כמטאור בשמי האמנות הישראלית כמרים כבסה באמצע שנות התשעים של המאה שעברה. כשהיתה בשיא הצלחתה היא נסוגה והרחיקה אל מעבר לים, מגיחה ונעלמת ורק בשנים האחרונות חזרה לכאן, באותה דרך ארוכה הביתה שבשם התערוכה, שהחלה בקזבלנקה עברה לפאריס, לטבריה, לגרמניה, לשער הגולן, לתל אביב, לניו יורק ושוב לתל אביב.

יש לכבסה אומץ הלב לדבוק באותו ציור, יום אחרי יום, שנה אחרי שנה, ולא להתפתות ללחצים מבחוץ להשתנות רק לשם השינוי. פעולת הציור שלה היא חלק אינטגרלי, נראה ומוחשי של הציור הסופי ואי־אפשר להפריד ביניהם: תנועת הגוף, הזרועות, כפות הידיים, בעצמן או בעזרת חפץ דומם שהן אוחזות בו, בחומר הצבע על המצע הרבוע שאינו מאפשר לצבע לחלחל בעדו ומשמר כל זיע וניע של תנועת הגוף בצבע עם או בלי אובייקט. זוהי תנועה רציפה והמשכית, נחלמת, המשומרת לעד בעור הציור על דופן העולם הגשמי הקשיח. ציור מופשט שמחבר את הגוף הפרטי עם אשליה של קוסמוס. כבסה לשה, מרדדת, פורשת ומהדקת אשדי אור גולמי, צבעוני, על־פני חושך או אשדי חושך על־פני אור, כהתפרציות וולקניות של הנפש בחומר.

שיתוף הפעולה בין האמנית לאוצר והאמן איתן בוגנים יצר מהלך חכם שבו רוב הציורים מוצגים דווקא על הרצפה ורק מיעוטם על הקירות, מהלך שמצד אחד כמו מרחיב לצדדים את החלל עצמו ומצד שני מציג את העבודות במצב האופקי שבו נהגו והוצאו לפועל. כך נשמר אופן הראייה הייחודי של זו שבראה אותן גם מבעד לעיניו של המבקר הזר החג מסביבן, מתבונן בהן מלמעלה, משנה כל העת את נקודת המבט עם תנועתו בחלל. מעניין איך מכל זווית המבט מגלה צירוף אחר.

כל ציור שוכן בתוך תיבה נמוכה המחשקת אותו, רובן מעץ וחלקן מוזהבות. הציורים מאוגדים בשני גופים נפרדים: שני רצפים המשכיים של עבודות בגדלים משתנים, גופים מודולריים שאפשר לשנות את הרכבם בפועל ובדמיון. הנכנס לתערוכה מוצא את עצמו ברווח בין הגופים, שכל אחד מהם מתפרש ממנו והלאה לשני העברים במרחב הרצפה ומתקצר לפי חוקי פרספקטיבה משלו.

ממול בתווך תלויה מעין דמות נגטיבית של אור שכמו נבראה מאדוות הים והצדפים האפלים המקיפים אותה. כבסה מכנה אותה הרועה המנהיג של עדרי הציורים השרועים. כאמור, עבודות ספורות בלבד נתלו על הקירות, בריווח גדול המאפשר לגופי הציורים האופקיים לבלוט, כשחלקם יוצרים דיאלוג מעניין עם הגיאומטריה של חלונות הגלריה והאור המשתנה בהם.

כל ציור של כבסה מתחיל ממשטח שכוסה בגוון מסוים ואיתו וכנגדו מתבצעת פעולת הציור, גוון אחיד המפעפע מבעד לפעולה ונהפך בעל כורחו לחלק ממנה, או מגיח נגטיבי או פוזיטיבי מבעד לקרעיו (קרעים שיצרה פעולת הגוף בכמות הצבע המדודה כנגד קשיות המצע), או קטעים שלמים ומובחנים שכבסה משאירה כאבר פעיל בקומפוזיציית העבודה. יש משהו בציוריה שהוא כמבחן רורשאך, כל אחד יכול לדמות בהם דבר־מה שונה המשתקף ממעמקי נפשו.

בציור שבו מפעילה כבסה את כפות ידיה הטבולות בזהב ולבן על־פני כחול עמוק התוצאה נדמית לאלמוגים המתרבים מעצמם, מוארים באור יקרות המגיח ממעמקים. בציור אחר כבסה מפעילה את כפות ידיה על־פני קרום דקיק ולח־עדיין של חושך המרוח מערבולות־מערבולות על־פני מצע של זהב הקורן מבעד לתנועה הקליידוסקופית הסימטרית שחוללו כפות הידיים בחושך החם, כתפילה שהיא מחווה למעשה הבריאה המתחולל בתוכו. ויש עבודה שבה כבסה מפעילה ומפתלת מגהץ קר בקרום דק ולח של שחור המרוח על־פני משטח צר ומאורך של ירוק דשן, כגוף ערטילאי עקוד בתכריכים הקבור בקבר הכרוי בשמים, ובו־בזמן בציור הזה, הממיר את הנוקשה לרך נזיל, יש משהו מרחמי הפייטה. בציורים בהם כבסה מפעילה תנועות של מערכים גיאומטריים הנעים סביב עצמם או בחלל מתהווים נופים המצויים בהיבראות מתמשכת.

הביקור בתערוכה של כבסה הופך לחוויה גם מנוכחותה שלה בחלל כמעט בכל שעות הפתיחה. אין לה צורך באותו ריחוק מתנשא ואנין. היא שם כדי לבאר ולגשר, וגם כדי לחוות בגופה את חוויית המבקרים בתערוכה שלה.

מיכל סופיה טוביאס, “כל מה שיוצא מההר”, ליווי אוצרותי: יניב לכמן, גלריה אלמסן, יפו

לפעמים מפליא איך יד המקרה מתערבת ומציגה במקביל שתי תערוכות שנאצרו בנפרד אך יש ביניהן קירבה מפתיעה. כמרים כבסה גם מיכל סופיה טוביאס מפנה את המבט ביצירתה פנימה, אל החלל הפנימי שבתוכה המתרחב ונהפך לחלל חיצון שמיימי. בתערוכה הייחודית הזאת טוביאס בראה בחלל הגלריסטי שני מערכים משיקים, האחד עשוי מחורים ממשיים שחוררה פיסית בקירות לכל גובהם, מפה נגטיבית של הכוכבים ברגע מותו של דודה מישל טוביאס בתאונת דרכים בקולמאר שבצרפת ב-30.11.77 בשעה 10:15 (שמונה שנים לפני הולדתה).

הדוד מישל טוביאס היה צייר שנמנע ממנו הציור ומיכל סופיה טוביאס היא ממשיכתו. היא הוציאה מהמפה את השמש וכוכבי הלכת העיקריים ובמקומם שיבצה מערך נוסף מעבודותיה שלה, רובן מונוטייפים (צורת ההדפס הקדומה ביותר) שיצרה בידיים גלויות, כשהיא מהדקת ומעבירה מין שלוליות בראשית של תחילת החיים העשויות ממינון אלכימאי של פיגמנטים וחלמוני ביצים כחומר חיים, אל ועל פני ניירות שחורים. חלקם נדמים לכוכבים כבויים שחדרו מבעד לאטמוספירה, חלקם לממצאים ארכיאולוגיים, חלקם למאסות חומר המצוי בין מצבי צבירה משתנים.

יפה במיוחד הקיר שנצבע בכחול עשיר וחורר כחלק ממפת כוכבי רגע המוות, ולאורכו תלויה סדרת מונוטייפים שכל חוליותיה נוצרו מאותה שבלונה אך במינון שונה של מרכיבים, והם נדמים לאגמי רקיע הנוגהים מבעד לערפילי המרחק והזמן. חלל המבנה העתיק שבו שוכנת הגלריה נהפך למין מצפה כוכבים קדמוני המצוי בציפייה נצחית.

See Full Article

2012
המיצג של מרים כבסה: הציור מעולם לא נראה סקסי יותר, Haaretz / Text by Galia Yahav
2012HaaretzGalia Yahav

המיצג של מרים כבסה: הציור מעולם לא נראה סקסי יותר
מרים כבסה מציגה לראשונה בישראל את מיצג הווידיאו הנודע שלה – מופע של בריאה ומחיקה, המוכיח כי רק השילוב הפרדוקסלי ביניהן יוצר צורה.
לאחר שלא הציגה כאן כשמונה שנים, מרים כבסה חוזרת בתערוכת יחיד מרשימה. לראשונה היא מציגה כאן את פרפורמנס הווידיאו שהציגה בניו יורק ב-2004. בפתיחת התערוכה בחלל האמנות “רוטשילד 12” בתל אביב היא ביצעה פעולת-ציור נוספת; הן הציור והן התיעוד מוצגים זה לצד זה – האחד מונח במלוא גודלו על צלוחיות הניצבות על הרצפה, תחתיו קרטון גדול שעליו טביעות רגליים, עדות לכיווני ההליכה, והשני מוקרן על הקיר.
בווידיאו (35 דקות) כבסה מצולמת מלמעלה כשהיא מציירת במגב וסמרטוט, מוחקת ומציירת שוב. הציור, התוצאה של הפעולה, מתחיל את דרכו אם כן כשארית. “תהליך העבודה המהיר מורכב יחידות יחידות של עצירות והשהיות המחוללות את הדימוי, תוך תנועה סיסטמטית ואינסופית”, כותבת נעם סגל בטקסט הנלווה. “תנועתה האטית על גבי הבד מייצרת דימוי ומוחקת אותו, תוך חזרה על פעולה זו מספר רב של פעמים. הציור, התוצר הסופי, הוא תוצאה של עצירות והשהיות
מופע זה של בריאה ומחיקה מוכיח כי לא זו ולא זו אינן יוצרות צורה, אלא רק השילוב הבלתי אפשרי, הפרדוקסלי ביניהן. כבסה עוברת עם מגב וסמרטוט רצפה טבול בצבע ובתנועות אלכסוניות מעגליות מלכלכת את המצע. מציירת. אחר כך תעבור עם מגב בלבד, תגרוף את העודפים, תמחק. אלא שסילוק הצבע באמצעות מגב, כסילוק טינופת, אינו מנקה אלא רק יוצר סימנים חדשים, אחרים. הסימנים האלה גם הם ציור, תחילת צורה מופשטת, אקראית, (כמעט) כלומית.
מאחר שהפרפורמנס מצולם מלמעלה, דמותה מוכפלת לפעמים ואף גדלה פי שלושה בגלל הצל, או שנוצר כתם אפל, לפי התאורה, באופן שמגביר את האפקטים של התנועה (חבל שהווידיאו מוקרן דווקא באזור המואר של החלל, כך שאיכותו ועוצמתו נפגעות).
מאחר שהפריים מקובע בתקריב על מלבן המזוניט הגדול, יש רגעי סטילס שבהם כבסה אינה נראית, יד או חלק-גוף מגיחים פתאום מאזור לא צפוי וחוזרים לפעולה, כך שהגוף מפעיל כל פעם מחדש את הקליידוסקופ הפרימיטיבי, הלואו-טקי.
בודי מסז’
הווידיאו גם ממחיש את ההאחדה בין המשמעת הפורמלית, שכבסה לא נטשה מעולם, לבין עבודת הגוף. ההאחדה הזאת יוצרת את זהות הזמן המוחלטת בין הווידיאו לבין הציור. בעצם, מתועדת חשיפה מלאה של יצירת ציור, ללא עודף נסתר. הצופה ניצב מול זמן האמת של היצירה, כולל ההחלטה איך ואיפה להתחיל, איך ואיפה להמשיך, איך ואיפה לסיים. השרירותיות של כל אלה חשופה בפניו.
בנוסף לכך, מעולם תהליך הציור לא נראה סקסי יותר, במיוחד לאור העובדה שכמות התיעודים המשמימים, הסימבוליים או מלאי הפאתוס המבוים של “האמן בסטודיו” היא אינסופית. כבסה מלטפת, מעסה, מטפלת במגוון כלים וצורות, קצבים ועוצמות במשטח החלק.
היא מחזיקה כלי בשתי ידיה כקדרית, מזיזה אותו לאט על המשטח כמו בסיאנס, מצנרת את צורת העיגול שהוא משאיר, הופכת אותה לשובל. מלבד שימוש בכלים, היא מזיזה צבע בידיים, ולאט לאט עם כל הגוף. זה מתקבל כמסז’ רקמות עמוק, כהתפלשות חושנית, שתלטנית ומתמסרת בחומר. החצנת התהליך מחממת את תוצריו הקרים. הכל עשוי ממגע. ומובן שזה סקסי גם בשל ממד המציצנות לאמן בפעולה פרטית, אינטימית.
הפרפורמנס/ וידיאו/ ציור מסתיים בזחילה, מעין שחייה חלומית מוזרה בסלואו-מושן על המזוניט עם כל הגוף. בודי מסז’. כבסה חולפת מצד לצד לאורך הציור, משאירה אחריה שובל מחיקה לבנה, כמו עשן סילון, כמו ריר חלזוני.
הווידיאו והציור נגמרים כשגם כפות הרגליים יוצאות מהפריים/קומפוזיציה. גם בשל הגוון הכחלחל, זה מזכיר את ציורי איב קליין. הגוף של כבסה נגרר, לא כמכחול עירום כפי שגרר קליין את דוגמניותיו, אלא במין עקלתון נחשי, המוצא את כוח התזוזה איכשהו מבפנים, מניע עצמו הלאה אף על פי שהמצע החלק אינו מאפשר שום אחיזה. כך שמלבד הפעולה האנטי-ג’קסון-פולוקית המובהקת (שכן כבסה ממירה את ההשפרצה הגברית הבוטחת בפעולת הספונג’ה), זו גם עבודת גוף פוסט-איב-קליין. המודליסטית האנונימית היא האמנית. הניגודים התאחדו.
עברו לתצוגת גלריה
הזחילה הזאת גם מזכירה את “Through the Night Softly” של כריס ברדן מ-1973, עבודה שבה זחל ברדן על גחונו על גבי שברי ורסיסי זכוכית, בידיים קשורות מאחורי הגב, לאורך 50 מטר לעיני העוברים ושבים. כך ששתי גחמות אמנותיות היסטוריות, האחת אסתטיציסטית והאחרת מנטליסטית, מתלכדות בפעולה שלה. לאור תולדות האמנות המלאות ייצוגי התבוננות בנשים שאינן מודעות למבט המתבונן בהן, אלא נתונות לו, כשהן עסוקות בפעולות הבית או ההתרחצות, יש ממד מתמקח בפעולה.
תעוזתה של עקביות
בחלל נפרד תלויים כ-30 ציורים קטנים על נייר, מוצרי קסם מוגמרים, באוטומציה הסמי-סוריאליסטית המוכרת. חלקם בשחור-לבן כמו בפרוטאז’ים של תחילת דרכה של כבסה, שבהם הדימוי המזוהה מבקיע בקצה הוויש, כמלה שהצליחה להגיע לכלל הגייה בקצה גמגום ארוך. שתי כפות ידיים נובעות מכאוס חסר צורה, או פני השטח הלוחיים, המזעזעים מסוגם, של מגהץ. חלקם צבעוניים מאוד, נופיים, כמעט הרים מכוסי ענן או פטריות גרעיניות. זה ציור תקף של מסתורין גדולים דווקא מתוך חשיפתו הגרומה, המוחלטת.
זו אינה תערוכה מפתיעה של תפניות גדולות. להיפך. עם חלוף השנים מצטברת לגבי כבסה גם ההבנה על אודות תעוזתה של עקביות. זה הממד קשה העורף והבלתי אופנתי שבהתקדמות עקב בצד אגודל, הנדמית לעתים כדריכה במקום.
כבסה היא אלופת יצירת המתח העז דווקא דרך שינויי ניואנסים קטנטנים. זה סוג של נאמנות עצמית גבוהה ומחויבות להמשך ולהתפתחות המהלכים האמנותיים הקודמים, המשך חקר באמצעיו שלו. זה בהחלט עשוי גם להיתפש כשמרנות. אלא שבעידן תזזיתי זו גם איכות של עקשנות גדולה, קופפרמנית באופיה, שגם אם היא סלונית, הריהי סלוניות שלא דופקת חשבון.
מרים כבסה. “רוטשילד 12”, שעות פתיחה: ימים שלישי עד חמישי 11:00-19:00, שישי ושבת 10:00-14:00. עד 14 בינואר

See Full Article

2005
A talk with an Artist — Miriam Cabessa, Maarav Magazine / Text by Maya Goldberg
2005Maarav MagazineMaya Goldberg

Miriam Cabessa is completing a circle. Ten years ago, when she was twenty nine years old, she became the first winner of the 1995 Nathan Gottesdiener Foundation prize for Israeli art, and had her very first solo exhibition in the Tel Aviv museum one year later. That was the beginning of what at least looked like the birth of an exceptionally successful art career.

No one in the Israeli art scene was surprised therefore, when two years later Cabessa was chosen to represent Israel at the 1997 Venice Bienale, and that in 1999 she spread her wings and flew of her safe Tel Avivi nest, with an ambitious determination to conquer the art scene of the Big Apple; she was also more than sufficiently equipped for her voyage, armed with a thick resume of twenty five art shows within which twelve solo exhibitions both in Israel and Europe.

Today she is coming back to Israel at least in spirit to participate in the celebrated group show, Dreaming Art Dreaming Reality, which marks the first ten year decade of the Gottesdiener award. The show, which had its grand opening at the Tel Aviv Museum a few weeks ago, includes, in addition to Cabessa, the nine other winners of the years which followed her initiation of the prize.

In 2003 I had my first personal acquaintance with Cabessa the person, when we had a few unusually unconventional and fascinating one on one sessions. As part of the research I was then preparing for an article I later wrote about her recent solo show at Alon Segev Gallery in Tel Aviv. This time around, I once again quickly realized how, with her elegant signature charisma, she manipulated my failing attempts to conduct a well structured interview on the subject of her participation in the TAM exhibition and on other related issues, into a private stage for her solo show, where for the traditional interview technique of question answer question, there was absolutely no room left.

The “performance” she gave me on the other hand, was nevertheless intriguing, and it educated me quite a bit about her many opinions and ideas about art, New York, television, her future plans, and yes – also a little bit about her participation in Dreaming Art – Dreaming Reality.

For the show at the TAM, Cabessa has chosen to exhibit three colorful circles paintings from her solo show at Alon Segev Gallery in 2003, and in addition, a series of five video works – now presented for the first time – in which she is captured while working on other paintings in her signature style.

The five videos, which were shot in 2004, are located on the fascinating, although flimsy line between fine art and documentation; while employing minimal editing work and a curious sound track, they visually demonstrate for the first time the intriguing “trick” behind Cabessa’s famous painting technique, about which she was questioned countless times in the past.

In four out of the five videos, Cabessa’s work process is shown from beginning to end – opening with the virginal bright whiteness of the canvas, and concluding with the image of the completed painting.

Her exclusive working tools are her own bare palms, with an occasional use of a flatiron, a cloth rag or an old fashioned floor wiper. Only in one video, in which the film has been reversed in order to display the painting process from the end to its very beginning, the final painting appears to be slowly reduced into nothing; blindfolded with a scarf tightly wrapped around her head, Cabessa gradually “exposes” the white canvas that’s concealed beneath it, alternately using her hands and a soft lump of sponge.

This is the one piece which undoubtedly escapes the question of documentation concerning the other four.

The formation process of the mysterious, hologram like images, that appear on the surface under the sensuous movements of her hands massaging and stroking it softly inevitably hypnotizes the viewer, not to say – turns him on all together; the position of her leaning body over the canvas, horizontally placed on top of a large, sturdy table, further enables the association of a love making scene between her and the painting; even when she slowly “irons”, or “cleans” the canvas with a floor wiper drenched with paint, she still looks like the cleaning lady of love, completely infatuated with her labor.

2016
Miriam Cabessa: Liberating the Viewer’s Imagination, Widewalls / Text by Susan Wang
2016WidewallsSusan Wang

It’s not easy to be different in today’s world of so many similarities and copied ideas, but Miriam Cabbesa certainly stands out among her colleagues painters for her distinctive approach that excludes the use of basic painting instrument – the brush. Instead of it, she engages her fingers, hands and sometimes entire body to transfer the paint onto her monumental canvases. Her method, known as meditative “slow action painting” often includes various objects too, like combs, squeegees and keffiyeh and tallit headdress. Using the repeating, choreographed movements, the artist creates abstract, symmetrical forms and mostly monochromatic compositions in accordance with the tendency to reduced palette, most recently enriched with gold.
Liberating the Viewer’s Imagination
Cabessa was born in Morocco but raised in Israel where she gained her education. First attending Cultural Studies at Camera Obscura School for the arts in Tel Aviv, she later finished Ha’Midrasha College of Art in Ramat HaSharon and Kalisher College of Art, Tel Aviv. Her great breakthrough on the international artistic scene occurred in 1997 when she represented Israel at the Venice Biennale. The artist became known for her distinctive method of applying paint onto the canvas with the use of her body and various objects instead of brushes. Creating imagery that ranges from organic to mechanistic, her compositions are the result of her repeating gestures. The limited palette is reduced mostly on black and white with a rare implementation of matt hues of red, yellow or purple. Dragging her hands and various other objects across the canvas, she creates paintings made up of thousands of tiny lines. Observed up close, details could be interpreted as grooves in a vinyl record or the lines of a heart monitor, but a few steps away, the negative and positive images resemble the X-ray snapshots, the sepia photographs, or maybe the panoramic view of the Rocky Mountain. There lies the true excitement for the viewer whose perception and imagination are challenged all the time.
Cabessa had her first solo art show in Tel Aviv in Israel
Rewards and Selected Exhibitions
As the recipient of the numerous awards such as Arts Prize for Young Artists in Israel (1995) and the prize from the American-Israeli Cultural Foundation (1994 and 1995), Cabessa for the first time exhibited solo in Tel Aviv in 1994 and after which her work became a part of the collections of The Israel Museum, Jerusalem, The Tel Aviv Museum of Art, the Haifa Museum of Modern Art, The National Museum of Women in the Arts, Washington, D.C. and Texas State University. The artist performed Variation with Hands, with music by Jonathan Sheffer, at the Tel Aviv Museum of Art (2012), exhibited at Nye+Brown Gallery in Los Angeles (2012), and had a solo show at Julie M. Gallery in Tel Aviv (2014). She has also shown at the Morris Museum, Herzilya Museum of Contemporary Art, Israel, The Israel Museum, Ben-Ari Museum of Contemporary Art, Israel, the Jewish Museum of Pittsburgh, and the Kresge Art Museum.

See Full Article

2010
האמנית מרים כבסה יוצאת מהסטודיו ומציירת עם קהל, Haaretz / Text by אביטל בורג
2010Haaretzאביטל בורג

מיצג חדש של מרים כבסה משך את תשומת לבם של שוחרי אמנות בניו יורק והרשים את עורכי “ניו יורק מגזין”. בראיון מביתה בברוקלין מספרת האמנית, שעזבה את ישראל לפני 11 שנה, מה גרם לה לזנוח את הסטודיו
בפתיחת התערוכה שלה בגלריה הנדרשוט במנהטן באוקטובר, מרים כבסה לא לבשה את מיטב מחלצותיה ולא השיקה כוס שמפניה ופיטפטה עם האורחים. במכנסי ג’ינס וגופייה לבנה מלוכלכלים, במשך שעתיים וחצי ללא הפסקה, היא כרעה אל משטח המזוניט שהיה מונח על רצפת הגלריה, שבעה וחצי מטר אורכו, וציירה. מי שמכיר מעט את יצירתה יכול לנחש שהיא לא אחזה בידה מכחול, אלא במגוון כלים, בהם מגהץ, פח אשפה, מגב וכפות ידיה החשופות שיצרו, מחקו, ויצרו שוב, חמישה מחזורים של הציור שנקרא לבסוף “A Dream Play”. למשך כל התערוכה נותר חלל המרתף העמוק כפי שעזבה אותו הישראלית לשעבר: הכלים שעונים על הקיר, הנייר הפרוש מתחת לציור שעל הרצפה מוכתם. לצד הציור מוקרן וידיאו המתעד את עשייתו, בו ניכר הריכוז והזמן שהקדישו הצופים למיצג, חלקם עמדו וצפו לאורך כל השעתיים וחצי, מה שהפתיע את האמנית, שציפתה, לדבריה, מהקהל הניו-יורקי, להיות יותר עסוק בהתחככות בבאים. גם את תשומת לב מערכת “ניו יורק מגזין” שבו הציור ואופן הצגתו, והם העניקו לו דירוג גבוה מאוד בטבלת המדרוג של אחד מגיליונות נובמבר.
בראיון שהתקיים בביתה בברוקלין, שהוא גם הסטודיו שלה, מספרת כבסה בת ה-44, על כניסתה לתחום המיצג וההתרגשות הגדולה שנלווית אליה. הפעם הקודמת, שהיתה גם הראשונה, היתה ביריד “פולס” בניו יורק בשנה שעברה. אז היא בחרה להשתמש בכאפיה וטלית ככלי הציור שלה ועל כך אמרה בראיון וידיאו שהתפרסם באתר של “ארטיס”: “אני אוהבת שציור מרשה לך לעשות דברים שבחיים הם בלתי אפשריים. זה מרגש להסתכל על ציור כעוד שכבה של חיים”.
“כל העניין של לצייר מול קהל מאוד מעניין בשבילי”, היא אומרת ל”הארץ”. “בסך הכל אני עושה את אותו הדבר. זה לא דורש ממני להיות יותר ייצוגית. להיפך, כושר הריכוז שלי מתחזק, יש איזו אנרגיה די עוצמתית סביבי, ובאופן הכי טבעי זה מכניס אותי הרבה יותר חזק לציור. זאת היתה הרגשה מאוד חזקה ונעימה”.
מה גרם לך לצאת אל הקהל?
“לפני כמה שנים עשיתי סרטונים שמתעדים את הציור שלי והם הוצגו במוזיאון תל אביב. לא היה קהל, אבל צוות הצילום גרם לי להתרגשות מאוד גדולה, כי זו היתה פעם ראשונה בחיים שלא ציירתי לגמרי לבד בסטודיו. היה משהו מרגש באופן שבו חלקתי את הקסם של הציור שלי”.
קבלה של חוסר שליטה
קסם היא מלה נכונה לתאר את התחושה המתעוררת מול ציוריה של כבסה. ב-1997, העידה על כך שרה בריטברג סמל, בקטלוג הביאנלה בוונציה בה הציגה את יצירותיה של כבסה. “מרים כבסה היא ממין האמנים שהפגישה הראשונה עם עבודתם גורמת לרגע של איבוד אוריינטציה”, כתבה אז בריטברג סמל: “מה היא מראה לי גלוי וקרוב כל כך עד שאני מסתחררת, ומוזר ומוכר כל כך שאין בשבילו משפטים מוכנים? ומיד, באותה נשימה: איך הציור הזה קורה? מה הטכניקה שגרמה לו להיראות כך? מה הטריק? איזה קצב מוטרף מפעיל את העשייה המשונה הזאת? אני זוכרת את ההליכה מהסטודיו שלה הביתה, אחרי שהראתה לי את הפשטות שבה כל זה קורה – איך הידיים זזות בקצב על משטח המזוניט הדק והרטוב ומשאירות את הטבעותיהן, איך, כשהיד אוחזת כוס, נוצרים באותו קצב הצינורות המתכתיים; איך מסרקת ברזל קטנה, בתנועה סיבובית, יוצרת את מסך קפיצי הברזל. הקסם הותר, ועדיין התחושה היא שרק הגוף שלה יודע להפיק את התנועה הזאת, את הקצב הזה, את הכוריאוגרפיה שיוצרת את המקום הביזארי, רב הקסם, שהוא הציור שלה”.
במקביל לפנייה החוצה לעבודה מול קהל, כבסה עוברת תהליך של התכנסות פנימה וצמצום התנועה בעבודתה: “בשנים האחרונות ניסיתי לא פעם ליצור ציור פעולה, בהתכוונות לא לזוז. אני משתמשת בנשימה שלי כדי ליצור איזה מקצב, הנשימה יוצרת את המקצבים של המריחות שלי”, היא אומרת. “בעצם, מעבודה עם תנועות מאוד גדולות של הגוף, עברתי לצמצום, עד כמעט רצון לא לזוז ורק לתת לנשימה להכתיב את התנועה. בפרפורמנס, לעומת זאת, יש חזרה לתנועה הרבה יותר חופשית, שהיא בעצם קבלה של חוסר שליטה”.
כשאני מזכירה את המלה מחיקה, הקיימת כממד חשוב בציורי הנשימה, התלהבותה של כבסה גואה והיא קמה להדגים איך בסוף ציור הנשימה – שבו מעבירה האמנית את ידיה מהבד אל מקומן הטבעי בצדי הגוף בעזרת נשימות עמוקות – היא מוחקת בעזרת מגב, בנשימה אחת, את כל מה שיצר הבד.
את נקודת הציון שהולידה את צורת העבודה שלה היא זוכרת היטב. לפני כ-17 שנים, היא מספרת, “אחרי שסיימתי את המדרשה, נסעתי לפאריס עם דגנית ברסט. היה לה ברור מה היא הולכת לעשות. לי לגמרי לא היה ברור מה הולך לקרות אתי. סיימתי את הלימודים וידעתי שאני לא רוצה לחזור למה שעשיתי בבית הספר. היתה בי הפאניקה הזאת של לצאת לעולם ולהתחיל משהו חדש. כמו תמיד נתתי לייאוש לקחת אותי כמה שיותר נמוך עד שאמרתי לעצמי ‘טוב, יש לי שתי אפשרויות – או לשכב במיטה ולבכות שאני לא יודעת מה לעשות, או להזיז את היד ולהגיד שאני לא יודעת מה לעשות’. התופעה הזאת קרתה כשהייתי מוכנה באמת להצהיר שאין לי מה לצייר יותר, גמרתי את הסיפור שלי, וזה אחרי שבמדרשה היה לי כל שבוע משהו חדש להגיד. עבדתי עם גוש של גרפיט וטרפנטין והאצבע שלי נגעה במשטח וזה השאיר מין צינור כזה. ואז נגעתי! ואוו! כל הייאוש והדיכאון נעלמו בשנייה”, היא אומרת בהתלהבות. “עד היום מדהים אותי שכשאובייקטים תלת ממדיים מונחים על משטח דו ממדי, הם מייצרים תלת ממד. זה כמעט כמו חידה מתמטית כזאת. אני לא מבינה כלום במתמטיקה, אבל זה כל כך קסום בעיני”.
השילוש הקדוש
הדרך שעברה כבסה עד לרגע ההארה שלה כרוכה בעבודה קשה. היא נולדה ב-1966 בקזבלנקה שבמרוקו וכשהיתה בת שלוש עלתה עם הוריה לישראל והשתכנה בטבריה. הוריה התפרנסו מחנות משכית שהיתה בבעלותם. אביה, היא מספרת, היה נגן חצוצרה במרוקו, אך כשהגיע לטבריה, מכיוון שלא מצא מקום לבטא לכישרונו, החל בזמנו הפנוי להעתיק ציורים של פיקאסו. “גדלתי עם אבא שחשבתי שהוא פיקאסו”, היא אומרת.
על המקרה שהוביל להחלטתה להיות ציירת, כבר בגיל שש, היא לא רוצה לדבר, ומספרת רק ש”היה מקרה בו כמעט נהרגתי וניצלתי באופן מסתורי מאוד, ואיכשהו חוויתי חוויה שבה נדרתי להיות ציירת. נדרתי את הנדר הזה ולקחתי את זה מאוד ברצינות והתחלתי לצייר כל יום. עד גיל 24 לא הפסדתי יום אחד של ציור”. להוריה, שמימנו לה ולאחותה מורה פרטי לציור, היא לא סיפרה על הנדר.
כעבור כמה שנים נפרדו הוריה ומרים עברה לגור עם אמה בגרמניה. לאחר שנה, בהיותה בת 13, שבה לבדה לישראל וגרה בקיבוץ שער הגולן. את התקופה הזאת היא זוכרת כתקופה יפה ועשירה בפעילות, בה, מלבד הציור, היא התאמנה בקראטה כל יום, אימנה סוסים וגלשה.
בגיל 16 הצליחה להרשם למכללת תל חי ושם למדה ציור. אחרי לימודים אצל תמרה ריקמן ובקלישר בתל אביב החלה ללמוד במדרשה, שם המורים שהשפיעו עליה ביותר היו דגנית ברסט, מיכל נאמן ורפי לביא. את המדרשה סיימה ב-1992 ומיד נהפכה לכוכבת בעולם האמנות הישראלית: שנתיים בלבד לאחר סיום לימודיה כבר הציגה תערוכת יחיד בגלריה דביר בתל אביב. כעבור זמן קצר הציגה בביתן הישראלי בביאנלה בוונציה, עם סיגלית לנדאו ואורי צייג.
ככוכבת, הספיקה גם לעורר כמה שערוריות קטנות ולמשוך אש, כשהופיעה שיכורה בתוכניתה של דנה מודן “יחסים מסוכנים”, וכאשר ב-1997 טענה האמנית נאיר קרמר, המתגוררת בברזיל, כי כבסה “גנבה” את הטכניקה שהיא המציאה שנים קודם לכן.
בשנת 2000 החליטה לעבור לניו יורק, כשהיא מוותרת על הבסיס החזק שהיה לה בארץ וכלל גם משרות הוראה במדרשה ובשנקר. מאז הציגה בניו יורק תערוכות יחיד בגלריות שונות והשתתפה בתערוכות קבוצתיות רבות. ב-2003 הציגה גם תערוכת יחיד בגלריה אלון שגב בתל אביב.
“עברתי לפה עם האמריקן דרים, כמו שכל מי שעובר לפה עובר”, היא עונה לשאלה מה הניע אותה לעזוב בשיא ההצלחה. “באותה מידה שעזבתי יכולתי גם להישאר בארץ, אבל היה משהו בתוכי שהיה חסר שקט. אני פה כבר 11 שנה וזה כבר הבית שלי, ובינתיים התפכחתי מהחלום האמריקאי, אבל תמיד יש חלומות חדשים”.
מה החלום החדש שלך?
“אני עובדת עכשיו על שני כיוונים שקשורים למיצג. אחד מהם יהיה מופע גדול עם רקדניות בטן, שבתוכו ייעשה ציור על ידי ועל ידי הרקדניות. אני מאוד מקווה לעשות את זה בארץ. ויש לי עוד חלום – אני רוצה להתחיל לחלק את הזמן שלי בין ישראל, בה לא הייתי כבר שבע שנים, מרוקו וניו יורק. ישראל, מרוקו וניו יורק – זה השילוש הקדוש שלי”.
לא מזמן, בפתיחת תערוכת תרומה שבה משתתפת כבסה למען “קרן לאמנויות עכשוויות”, היא פגשה את נשיא הקרן, האמן האמריקאי הנודע ג’ספר ג’ונס. “במדרשה גדלתי על ג’ספר ג’ונס, ממש גדלתי עליו”, היא מספרת. “כשפגשתי אותו זה ישר כיווץ אותי, ישר נהייתי ילדה קטנה. אמרתי לו שאני מאוד מאוד אוהבת את העבודות שלו ושלמדתי המון ממנו. אני חושבת שהיה לנו רגע, הסתכלנו זה לזה בעיניים במשך חצי דקה והיה בזה משהו מאוד מאוד חזק. זה הטעין את אחת הבטריות שהיתה צריכה הטענה אצלי”. *

See Full Article

2014
Art-Tastic! Tibi Partners with Emerging Artists, Harper Bazaar / Text by Tara Lamont-Djite
2014Harper BazaarTara Lamont-Djite

Tibi joins the art scene in celebration of their pre-fall collection

Tibi is beloved for the painterly prints and patterns that are splashed across their cult-status midi skirts and crop tops, but the brand’s love for art goes much further. This evening at their Soho store Tibi will unveil its latest artistic endeavor, a partnership with three emerging artists from @60inches, a highly curated website that provides customers with personal art advisors, insider access and affordable recommendations. Miriam Cabessa, Vincent Edmond Louis and Jason Varone—three artists hand-picked from a pool of over 70 candidates—were each asked to create a piece inspired by Tibi’s pre-fall collection (shown above), all of which will be on sale within the store until June 30th. “I’m excited to partner with @60″ on this event because they support rising artists and give them a platform to display and sell their work,” said Tibi’s founder and creative director, Amy Smilovic. “When I meet with artists, and the ones we are working with, they literally refuel me. Their love and intensity for what they do is so inspiring and infectious.”

See Full Article

2014
Buying Art by the Meter, Haaretz / Text by Galia Yahav
2014HaaretzGalia Yahav

In a new exhibition, Miriam Cabessa offers clients the option of buying her work. The pleasure of the show derives from the artist’s trust in her audience – and vice versa.
Miriam Cabessa’s painting style doesn’t begin from a sentence or from a word. It begins from a more basic element: a syllable. Or even earlier – from a stutter so heavy that the first syllable of what is trying to find expression doesn’t succeed in making its way out, in being uttered. For many years, the first and central gesture by Cabessa – an artist who paints by means of action and body – has been the externalization of difficulties of pronunciation. Grunt work. It’s not only what’s trying to be expressed by means of this language, it’s the very notion of being “slow of tongue.” Aaaaaart.
In the course of nearly 20 years, Cabessa developed this condition into a particularly rich painterly language, using it to create impressive pyrotechnics of abstract works in oils on nonabsorbent Masonite, with a recognizable image emerging only at the extremities. Marks of an iron. Skulls. Fingers. Signs of wiping. As products created by the usage of anything that is not a paintbrush, by a repetitive trembling movement across the surface and the imprint of their paint-dipped remnants on it, these became the signature mark of her work. That work is a source of constant astonishment in its diversified inventiveness, in the physicality that informs the artistic act, in the disciplined choreology that constructs crescendos of compositions. This way of creating reached its peak in Cabessa’s performance works in recent years.
In her new show, Cabessa has abandoned the Masonite platform and 
replaced it with rolls of sticky plastic of the kind that can be bought in art and hardware stores for use in covering and wrapping surfaces. The painted strips have been glued to the walls of the Julie M. Gallery in Tel Aviv from end to end. It’s a landscape without a beginning and without an end, a continuing line. What emerges is a kind of uniform lung 
volume – for her painting and for the gallery – and the duration of the breath needed for the protracted stutter is 
identical to the metrical space. Effectively, her storyboard or painterly ECG measures the gallery.
“In the past few years I have often tried to do action painting, with the intention of not moving,” Cabessa told Avital Burg in an interview in Haaretz in 2010, adding, “I use my breathing to create a certain rhythm, the breathing creates the rhythms of the smearing [of paint]. What happened is that I went from large body movements to contraction, almost to the point of desiring not to move and only to allow the breath to dictate the movement.” In fact, at moments it seems that this time, Cabessa’s hand barely moved, that the roll of plastic material ran under her like a record under a 
phonograph needle.
Black stains are painted at the beginning on the right, being two portraits in profile. This evokes the well-known visual paradox of the portraits and the goblet (do we see two black profiles 
facing each other, or a white goblet against a black background?), according to which our gaze can take in only one image at a time – it’s impossible to see both and to apprehend the totality. We are prisoners of our perception. This is also an exposition of a painting story that begins with Raffi Lavie, who used such profiles consistently, though with him they are curls of cigarette smoke: the vase was painted separately.
From the left silhouette, a black-blue, blinking broken line stretches in a slow smear, shimmering like a print whose color is leaching from it. Small events are added and subtracted along the line – yellow-orange-red hues, layers, spirals, powerful scratches whose momentum emanates from the shoulder become five musical notes on the narrow roll, peaks of hills, black roads crossed by grayish dividing lines, lava, Rorschach, eyes with dilated pupils, X-ray prints, messy smears in the Janine Antoni style (“Loving Care,” 1992). Antoni dipped her hair in a bucket of paint and, kneeling, smeared it across a surface. After all, both she and Cabessa, as contemporary women, and with the use of very similar means (body massage), are responding to the masculine ethic of the great masters Yves Klein and Jackson Pollock, the precedent-setting action painters.
Still, what is of prime interest in the exhibition – which this time lacks the artist’s most impressive work – is not visible in the gallery space itself. The interest lies in the switch from painting format to textile logic: the linear meter. In addition to the sticker-paintings that will be scraped off the wall and thrown out at the conclusion of the exhibition, the gallery has many more painted – and unaffixed – rolls in its storerooms, which can be purchased in any size. The client will decide for himself how many linear meters he wants, and thereby will also decide where the painting ends (and, by the same token, where the painting of the next client begins). The buy-what-you-please option starts with a 
minimum length of a meter, extending to 
a panorama and all the way to a wall painting. You can also install the piece you buy lengthwise, if you fancy a portrait painting. There’s much potential here, both commercially and as a wicked joke on the world of commerce.
What looks like a fledgling marketing trick or a tactical variation on previous actions, can also be examined in terms of the enhancement of the concept of randomness in Cabessa’s work. As another element in the intra-artistic struggle involving arbitrariness, 
automatism, blind bodily decisions. As another stage in Cabessa’s very candid conversation with her viewers over the pronunciation of the forms by means of their erasure. This time it’s the arbitrariness of the composition, which is sliced off at points not decided beforehand. It’s not only she, the artist, who is making gestures – the collectors, too, are required to enter the universe of tough calls: how to begin, where to end. Like her, they are called on to set pace / price.
Cabessa is one of the very few 
artists of her generation (she was born in 1966) who remained loyal to the manner of painting they developed at the outset. She didn’t discard it in 
favor of various trends, and she 
continually deepened the language she invented – whenever it seemed that her technique had exhausted itself, an additional subform was 
articulated.
Cabessa’s current exhibition doesn’t reflect a large step in her work. It is more a minor examination of another particular possibility within an artistic structure of operation whose foundations are already known. Now she is experimenting with an unpretentious offshoot of a familiar principle.
The particular pleasure in this 
exhibition lies in accompanying the artist along this impressive road, out of curiosity and receptivity to different vocal attempts within the language, even if these do not show a shift or a distinctive turn in the totality of her work. It’s a matter of loyalty; of relations of trust between artist and audience; and of a response to the question of what type of audience there should be. What type of audience an artist like this – who, like Moshe Kupferman, perseveres in a life project of almost-the-same – 
deserves to have. For artists of this special breed, who do not force-feed the audience with amazing new thrills in every new season, and whose
numbers are diminishing in these frenetic times, we need patience of the marathon kind with which they themselves create. To that end, we must also be ready to say that the permission an artist grants himself to take things slowly, to spend years developing nuances, is a matter of 
inner freedom.

See Full Article

2018
הגוף כמכחול: תערוכה חדשה של מרים כבסה, Calcalist / Text by ענת ברזילי
2018Calcalistענת ברזילי

כבסה מציירת עם כל גופה כדי לטעון את עבודותיה ברגש. בראיון ל”כלכליסט”, לקראת תערוכה באשדות יעקב, היא אומרת: “זה השיא שלי. כל התובנות והניסיון שלי שם”
ההתאהבות הטוטאלית, ההבנה של להיות אחד, כשהאחר הוא אתה, היא דבר שלא פשוט להגיע אליו. זו הבנה שיכולה להיעלם בשנייה. אבל כשיש הבנה, מגיע השקט של ידיעת העצמי. זה הישג רוחני ותודעתי גבוה. סוג של קסם והתכוונות”, כך מספרת האמנית המצליחה מרים כבסה (52) בראיון ל”כלכליסט” על הציור החדש שעומד בלב התערוכה “ציור לילה” שאוצרת סמדר קרן ותיפתח בשבת הקרובה במוזיאון בית רמי ואורי נחושתן שבאשדות יעקב.

בתערוכה יש ציור אחד גדול ממדים, ועבודת וידאו שמתעדת את הלילה שבו הציור נוצר. “בחרתי לצייר את הציור בלילה כי הוא מעין פעולת חלום. נותרים ממנו רק שרידים של תחושה ושל זיכרון”, מספרת כבסה, שהמציאה טכניקה ציורית מעצמה העושה שימוש בגוף, והגיעה להכרה בינלאומית ב־1997 כשייצגה את ישראל בביאנלה בוונציה.

ב־18 שנה האחרונות כבסה גרה בניו יורק ולפני שנה פתחה סטודיו נוסף בתל אביב. עבודותיה מצויות באוספי מוזיאון ישראל ותל אביב ובאוספים פרטיים. זו התערוכה המוזיאלית הראשונה שלה מאז חזרתה לפעילות בישראל.

כבסה מציירת ציורים שמדמים פעולה של מכונת סריקה: במחוות על הבד העצום היא מתפלשת שוחה וצוללת על הבד עם גופה הטבול בצבע, כמו שוחה בתוך הציור, כמו כן היא עושה שימוש בעזרים אחרים: מגבים, סמרטוטים, מגהצים ושאר כלים הטבולים בצבע, ולקוחים מעולם הניקיון.

”אני רואה את הציור כהתגלות האמת שלי בצורה הישירה ביותר. כלי לדיאלוג שלי עם התודעה והחיים. זו העבודה, זה המקום, שם זה קורה. כל השאלות המילוליות על הציור: ‘למה התכוונת’, ‘מה ציירת’ – זה לא קשור בעיני לשיח של הציור”. אומרת כבסה.

היחסים הרגשיים שלה עם הציור החלו כסטודנטית במדרשה לאמנות, “שאלתי את עצמי איך אני יכולה לצייר התאהבות, איך אני יכולה לצייר רגש כל כך חזק, עם כזאת עוצמה. מצאתי את עצמי מנשקת את הנייר. פעולה שנבעה מהתאהבות. האינטואיציה הציורית הנחתה אותי. במקום מכחול השתמשתי בשפתיים שנהפכו להיות הכלי שציירתי באמצעותו, כלי שטעון ברגש, כדי לצייר דימוי. נישקתי את הנייר עד שהתגלתה דמות שנישקה אותי בחזרה. זו היתה סדרה של עבודות.היה בזה משהו מפתיע, מרגש ולא צפוי. קשה להסביר זאת, הציור שלי בא לדבר לשכל אחר בעל קליטה אינטואיטיבית”.
על טכניקת הציור שהמציאה ו”כתובה על שמה”, של ציור פיזי מאוד חושני וחומרי שאינו נעשה בהכרח במכחול על הקנבס, מספרת כבסה שהיא נוצרה במקרה, ברגע אחד של יאוש: “הבנתי שאני לא יכולה לחשוב על ציור עם הראש, אלא עם היד. אמרתי לעצמי: אתחיל להזיז את היד על הנייר, ואז הוספתי צבע. החזקתי חתיכת גרפיט והמסתי אותה בטרפנטין, האצבע שלי השאירה עקבה שנראתה כמו צינור דק. זיהיתי קסם שקרה, שהתנועה שלי השאירה שם משהו שהוא הרבה מעבר לתנועה הפיזית. שתיתי כוס מים. הנחתי אותה על הנייר וגררתי. הכוס יצרה דימוי של צינור נוסף, רחב יותר. פתאום מצאתי את עצמי בממד אחר. שפתח בפני חלון שלא הייתי בו לפני כן. צללתי פנימה”.
לביים ציור
לעבודה הנוכחית הזמינה כבסה לצלול אתה את במאי התיאטרון נועם בן אז”ר, אחרי שצפתה בהצגה בבימויו “כפית אוקיאנוס” שבה “לא הפסקתי לבכות מהתרגשות”, ומתוך רצון להחזיר את רגש האהבה לעבודתה. השניים בחרו אנסמבל שחקנים ויחד, במשך עשרה חודשים צללו והתפלשו על הבד: ”בחזרות המשימה של השחקנים היתה להוריד את המסכות שלהם ולא לשחק. המשימה שלי היתה לא לצייר, אלא לפעול. כך נדרשה מכולנו משמעת מאוד גדולה כשבן אז”ר מתווה את הדרך”.
לדבריה העבודה הנוכחית “היא שיא שלי, יש שם כל התובנות וכל נסיון החיים שלי”, מעידה כבסה, שלמעשה חוזרת לנוף נעוריה, כילדת חוץ בקיבוץ שער הגולן הסמוך למוזיאון.

ילדת חוץ בעולם

מרים כבסה נולדה בקזבלנקה שבמרוקו. ב־1969 עלתה משפחתה לארץ והתיישבה בטבריה. “אמא שלי, שהגיעה לישראל ראשונה, קנתה חנות ‘משכית’ ודירה. אבא שלי היה נגן ג’ז. לתקופה קצרה הם היו חלק מהבוהמה הטבריאנית”, בגיל 11 הוריה התגרשו וכבסה נסעה עם אמה לגרמניה שם סחרה ביהלומים, ובגיל 13 החליטה לחזור לישראל כילדת חוץ בקיבוץ. “מרוקאים זה הרבה מאוד דברים”, אומרת כבסה.”בסופו של דבר גדלתי בקיבוץ של אשכנזים יקים, כך שהזהות שלי היא לא בדיוק זהות מרוקאית או מזרחית. יש מרוקאים אינטלקטואלים, יש עוזרות בית. גזענות זה בדיוק לייצר דימוי ולצמצם אותו. אני לא גדלתי בצמצום. גדלתי בשפע. אין לי את התרבות המרוקאית כי מגיל מאוד צעיר גרתי לבד. מושג ילדת החוץ, לעומת זאת, מאוד מתאים לאופן שבו אני זזה בעולם. למשל העובדה שאני חיה בניו יורק ובישראל במקביל”.

כבסה מצהירה ש”כל היחידים הם אני” ומפרטת: “כילדת חוץ בקיבוץ, בשל”ת יחיד, כחיילת בודדת ולאחר מכן בתערוכות יחיד. אני מאוד אהבתי את הקיבוץ, את הצמצום הגדול. זה נראה לי כמו גן עדן, אך ברגע שנכנסת בשער פגשת אנשים והאנשים הפכו את זה לגיהנום
על היחס של אחרים ליצירה שלה היא אומרת: “אני רוצה שהאדם שעומד מול הציורים יזכור שהוא חי. הציורים באים לסמן משהו, להעיר, להזכיר ולהזיז אותך. אם לא מבינים את הערך התרבותי של יצירת אמנות, ציור נותר רק בד וצבע. המשמעות היא היכולת לאבחן מה נמצא שם בבד עם הצבע ואיך זה משפיע על החיים שלך. אתה צריך אמנות כשאתה רואה את עצמך כחלק מתרבות כדבר רחב יותר, כדבר שמקרין עליך”.

See Full Article

2005
Art and Movement: An Artist’s Connection to Lou Gherig’s Disease, The Huff Post / Text by Miriam Cabessa
2005The Huff PostMiriam Cabessa

Miriam Cabessa is completing a circle. Ten years ago, when she was twenty nine years old, she became the first winner of the 1995 Nathan Gottesdiener Foundation prize for Israeli art, and had her very first solo exhibition in the Tel Aviv museum one year later. That was the beginning of what at least looked like the birth of an exceptionally successful art career.

No one in the Israeli art scene was surprised therefore, when two years later Cabessa was chosen to represent Israel at the 1997 Venice Bienale, and that in 1999 she spread her wings and flewwest of her safe Tel Avivi nest, with an ambitious determination to conquer the art scene of the Big Apple; she was also more than sufficiently equipped for her voyage, armed with a thick resume of twenty five art shows within which twelve solo exhibitions both in Israel and Europe.

Today she is coming back to Israel at least in spirit to participate in the celebrated group show, Dreaming Art Dreaming Reality, which marks the first ten year decade of the Gottesdiener award. The show, which had its grandopening at the Tel Aviv Museum a few weeks ago, includes, in addition to Cabessa, the nine other winners of the years which followed her initiation of the prize.

In 2003 I had my first personal acquaintance with Cabessa the person, when we had a few unusually unconventional and fascinating one on one sessions,

as part of the research I was then preparing for an article I later wrote about her recent solo show at Alon Segev Gallery in Tel Aviv. This time around, I once again quickly realized how, with her elegant signature charisma, she manipulated my failing attempts to conduct a well structured interview on the subject of her participation in the TAM exhibition and on other related issues, into a private stage for her solo show, where for the traditional interview technique of question answer question, there was absolutely no room left.

The “performance” she gave me on the other hand, was nevertheless intriguing, and it educated me quite a bit about her many opinions and ideas about art, New York, television, her future plans, and yes – also a little bit about her participation in Dreaming Art – Dreaming Reality.

For the show at the TAM, Cabessa has chosen to exhibit three colorful circles paintings from her solo show at Alon Segev Gallery in 2003, and in addition, a series of five video works – now presented for the first time – in which she is captured while working on other paintings in her signature style.

The five videos, which were shot in 2004, are located on the fascinating, although flimsy line between fine art and documentation; while employing minimal editing work and a curious sound track, they visually demonstrate for the first time the intriguing “trick” behind Cabessa’s famous painting technique, about which she was questioned countless times in the past.

In four out of the five videos, Cabessa’s work process is shown from beginning to end – opening with the virginal bright whiteness of the canvas, and concluding with the image of the completed painting.

Her exclusive working tools are her own bare palms, with an occasional use of a flatiron, a cloth rag or an old fashioned floor wiper. Only in one video, in which the film has been reversed in order to display the painting process from the end to its very beginning, the final painting appears to be slowly reduced into nothing; blindfolded with a scarf tightly wrapped around her head, Cabessa gradually “exposes” the white canvas that’s concealed beneath it, alternately using her hands and a soft lump of sponge.

This is the one piece which undoubtedly escapes the question of documentation concerning the other four.

The formation process of the mysterious, hologram like images, that appear on the surface under the sensuous movements of her hands massaging and stroking it softly inevitably hypnotizes the viewer, not to say – turns him on all together; the possition of her leaning body over the canvas, horizontally placed on top of a large, sturdy table, further enables the association of a love making scene between her and the painting; even when she slowly “irons”, or “cleans” the canvas with a floor wiper drenched with paint, she still looks like the cleaning lady of love, completely infatuated with her labor.

See Full Article

2015
Gold Dust and Oil Take Impressive New Forms In Hands On, SF Weekly / Text by Laura Jaye Cramer
2015SF WeeklyLaura Jaye Cramer

Miriam Cabessa’s paintings are a breath of fresh air to the San Francisco market. Born in Morocco and raised in Israel, her work has obvious Eastern influences that you won’t find from artists of the Bay Area. In place of bold colors and figurative images, Cabessa current show, Hands On, at the the Dryansky Gallery favors delicate, abstract details in calm tones — all hung horizontally as if they could be read like text. Where local artists’ creations are “cool,” Cabessa’s are meditative.
Created by combining oil paint and gold dust that is then dragged across the canvas with her hands and with various fabrics, the results are pieces made up of thousands and thousands of tiny lines. When the viewer puts her nose right up to the canvas, the little details could be grooves in a vinyl record or the jagged lines of a heart monitor. But take a few steps back, and the entire painting takes on a new form: Those same details could be sepia photographs, zen gardens, or even a panoramic view of the Rocky Mountains — something that’s particularly fun to imagine, given that one of the main components is gold. (Which, by the way, looks particularly magical in the piece hung by the gallery’s main window. Note to buyer: Invest in bay windows.)
Aside from the gold and oil images, Hands On also features several works done in liquified graphite on paper. For these, Cabessa’s process is similar — that is, sliding materials across the surface with fabric. But in this graphite series, there are two pieces that depart from the look of the others. These look more like drip paintings. Although they are busier and less fluid than the others, they bring in a needed dynamism to the show. (This is one of the few sticking points in Hands On. If you’re one to “get lost in a piece,” the show’s repetition will keep you enthralled for hours. If your attention span is less than impressive, it will be a shorter visit.) One of the drip paintings even features large patches of blank space. It’s a mystery how the spaces were created, and as a result, the lack of color becomes hypnotizing.
There are barely two weeks left to catch the show, which, surprisingly, is located in the Marina. Known more for its killer views than its killer arts scene, it’s refreshing to see the The Dryansky Gallery — which opened only in October of 2014 — in the neighborhood.
Come for the views, stay for the artwork, and run away before happy hour on Chestnut Street lets out.

See Full Article

2014
האמנות בין מעשה הציור למרכז העולם, Haaretz / Text by עוזי צור
2014Haaretzעוזי צור

יואב בראל מסמן את מרכז העולם כיישות נודדת, אך זכרית, ואילו מרים כבסה עוברת על פני המעטפת הסובבת כיישות נשית. ביחד הם

בלבה של ירושלים, באמצע כנסיית הקבר הקדוש מצוי לפי האמונה הקתולית מרכז העולם, ועולי רגל מכל קצוותיו עולים אליו, לגעת, להצטלם. אך המרכז אולי בכלל נמצא בכותל המערבי, בכיפת הסלע, או בגן הקבר הפרוטסטנטי שמחוץ לחומות. ואולי הוא נע ונד כלוחות הברית בארון קודש באוהל מועד חילוניים, וכרגע הוא חונה בתל אביב יפו שהקדושה ניטלה ממנה כבר בהיווסדה מהחולות.

בחללה העמוק של Tempo Rubato, כבריכה של אור, ריק מכל נוכחות אחרת, צף לו ”מרכז העולם” שברא ב-1971 יואב בראל (1933-1977), במין התכה מרנינה ומעוצבת לעילא של הסוריאליסטי, המושגי והפּוֹפִּי. הוא צף אופקי ב”גובה המים” על פני האור, בריק, משטח מרובע של פרספקס שחור, בוהק ומעוגל פינות, שבלבו מונחת כיפה שקופה של קדושה בדיונית מופרכת, וממנה, בהיקפה, במרכז כל אחת מצלעות הריבוע, יוצא אל כל אחת מרוחות השמים חץ החתוך מקרטון בהיר, השט על אפלת הפרספקס.

באחת הפינות מודבק שלט קטן עם הכיתוב ”מרכז העולם” – בעברית לא בלועזית! כפי שבוודאי היה כתוב אם הפסל היה נוצר היום, באותה פרובינציאליות של הכפר הגלובלי, נגיעה מקומית המעניקה לעבודה איזה תום אבוד של פעם.

במרכז הכיפה, מתחת לקימורה השקוף, הפופי־בדיוני, הניח הגלריסט אבן וולקנית שחורה, כמו היה שריד קדוש בעל כוח מאגי או אבן ירח בעלת קרינה חוצנית. אך בהוראות של בראל הנלוות לפסל נכתב שזה שהפסל ברשותו רשאי להניח מתחת לכיפה כל דבר שירצה; והוא ייהפך למרכז העולם. כך נתן חופש פעולה המנטרל את ליבת המרעום מהפאנטיות של הקדושות כולן.

בנוסף לכך נכתב: “הימצאות העבודה בכל מקום נתון מגדירה את מרכז העולם”. בכך לועג האמן בעדינות לכל אותם מרכזי עולם כבדי משקל של דתות ששרדו ומעצמות שנעלמו – שוקל כנגדם את מרכז העולם האישי, הנע ונד כמצפון העולם, כמצפן של פנים האמנות.

לפנינו שושנת רוחות של פשטות הנוגעת בגאוני. ואם לא די בכך הרי הפסל הוא אחד מתוך סדרה של שלושה מרכזי עולם, שכל אחד מהם עלול להימצא בחלק אחר של העולם כמפת כוכבים חסרת שחר, או הם עלולים להיות כולם מרוכזים באותו מקום ואז תתרחש אותה אפוקליפסה.

בראל מזמין אותנו למשחק כוחות אירוני השם ללעג “עמים נבחרים” ושטחי מחייה “שלמים” המשתרעים מהים ועד לנהר, בשיאה של האופוריה שאחרי אותה מלחמה. בספר המתווים והרעיונות של בראל (שהעיון בו מרתק בחושפו טפח מאופן החשיבה והיצירה של האמן, ואת החופש הווירטאוזי של “רישומי החשיבה”) קדמו לפסל הסופי עמודים עם חבלים שהקיפו אותו כמו היה אתר זיכרון ממלכתי, וריאציה קטנה כתכשיט קינטי, מעגל אבנים שבמרכזו סומן בגיר מרכז העולם כל אלה כעין סרחי עודף שנשרו בתהליך היצירה והותירו את העיקר, את יופיו של הפסל הממשי הצף על פני הזיכרון של אלו שבאו אתו במגע, ומדי פעם הוא מגיח אל העולם הגשמי – כהתגלות הזאת ב-Tempo Rubato.

בראל מסמן את מרכז העולם כיישות נודדת, אך עדיין זכרית במהותה. ואילו מרים כבסה עוברת על פני המעטפת הסובבת כיישות נקבית, נשית – וביחד הם כמו משלימים זו את זה, מעל פערי הזמן והמקום, ובוראים תמונת עולם מלאה יותר של יסודות מנוגדים ומשלימים.

כבסה כמו מעבירה את חושי גופה הגלויים וחיישני נפשה החשופים על פני המציאות הסובבת ורושמת אותה. כססמוגרף בעל רגישות נדירה ליופי היא מעבירה את תחושותיה אל מצע הציור ההמשכי, ועוטפת וסובבת בו את קירות הגלריה – כמו היו פנורמה מעגלית של הגוף והנפש המותכים זה בזה. כך הציור הדו־ממדי היה לחוויה תלת־ממדית.

זהו ציור בשמן בחפצים שונים (אך לא במברשות או מכחולים) על נייר מדבקה, היכול להימשך עד אין סוף. העבודה טומנת בחובה את הפעולה של עצם עשייתה שהיתה לחלק מהתוצאה הסופית, וחושפת גם את זמן העשייה של כל אחד מפרקי היווצרותה. פרקי הזמן האלה משתנים לפי מצבי הרוח הנלכדים במשושיה של כבסה באותו רגע, באותה שעה, באותו יום או לילה, כזרם תודעה בגלגולו הפלסטי.

אחד המאפיינים היפים והמרתקים ביצירתה של כבסה הוא המתח שבין הקטעים הפנימיים של מעשה הציור; שהם עולם לעצמו של התרחשויות ותת־התרחשויות; בין השוליים שבהם מסתיים מעשה הציור לריקנות המצע שעליו נוצר.

אולי יותר מכל אמן ישראלי אחר, ההגדרה “מעשה הציור” מתאימה לאופן הציור של כבסה, והיא מאפיינת את יצירתה כבר מתחילת דרכה. תפישת הציור שלה היתה תמיד המשך ישיר של קיומה הפיסי והנפשי, והיא משתנה מאז בתוך עצמה בסטיות קלות של הלכי רוח.

הציור הרץ של כבסה הוא כאמור מעין יומן פלסטי של קטעי הזמן שבהם נוצר. אין בו חוקיות של ממש אך יש שרידיפם פיגורטיביים ב”סוף” ו ב”התחלה” שלו (שאפשר להחליף ביניהם או לחברם לרצף אחד מעל הרווח של הכניסה לחלל התצוגה הקוטע אותם). שרידים פיגורטיביים אלה הם אולי הזרעים למרחב היצירה המשתרע ונמשך, והם שוקעים ומחלחלים ביצירה כמשקע זיכרונות.

בהמשך דשות ה”מסרקות” של כבסה את הצבעים לאותם גרפים ליריים הנראים כנופים גיאולוגיים או ערים פוטוריסטיות או עורות שהופשטו מחיות מופשטות, או מודדי גאות ושפל המתרגמים מהלכים פנימיים לנראות חושנית.

העברת המבט לאורך פעולת הציור, החולף בגובה העיניים בין הזוויות השונות של הקירות, מאפשר לחבר בין קטעים שונים שלו לרצפים חדשים, שונים ומשתנים, כפעולת עריכה מונטאז’ית של העין המתבוננת בניגוד לרציפות של העין היוצרת. בסופה של התערוכה יקולף נייר המדבקה מהקירות וקרעיו המצוירים יושלכו אל הפח כחלק ממעגל החיים של לידה וכליה.

See Full Article

2018
The Immersive Paintings of Miriam Cabessa, Art Source / Text by Camea Smith
2018Art SourceCamea Smith

Miriam Cabessa’s paintings bear the traces of direct encounters between her body and her materials of choice. Cabessa has eschewed the use of paint brushes since her time at the Midrasha College of Art in the early 1990’s, where she created works on photographic paper, kissing the paper fervently and experimenting in with the use of urine and heat from an electric iron to leave an imprint on the paper’s surface. Ever since then, she has expanded her vocabulary of painting, primarily using her hands and fingers and incorporating combs, irons, squeegees, glasses, rags and sponges into her painting process.
The Moroccan-born artist moved to Israel with her family as a child. The family settled in Tiberias in northern Israel and her entrepreneur mother opened a sewing school and managed a Maskit shop, selling and producing decorative arts, ethnic embroidery textiles, clothing and jewelry. Her father, a trumpet player, was an avid fan of Picasso and used to create replicas of his paintings. Cabessa and her elder sister were tutored by a Tiberian painter. She describes her childhood home as “an artistic house with a special cultural mix of Mediterranean music, American jazz and Arabic films”.
After her parents separated, Cabessa moved with her mother to Germany. A year later, she returned to Israel by herself at the tender age of 13, to a Kibbutz in the Jordan valley, Sha’ar HaGolan. Cabessa recollects: “I grew up in the Kibbutz alone, without my parents, and I adopted people who I cherished to form a self chosen family.” She decided to become an artist early on in life: “When I was six years old, I made a vow to myself that I would become a painter. It seemed evident to me that painting came hand in hand with discipline and daily practice, and from the age of 6 to the age of 24 I never missed one day of painting,” says Cabessa.
While painting incessantly, Cabessa practiced martial arts, obtaining a brown belt in Karate. She also tamed Arabian horses and was an equine midwife, assisting mares to give birth. “I used to train horses in the unique discipline of Dressage, challenging them to perform predetermined dance-like movements. The act almost defies gravity – causing the massive steeds to nearly glide,” Cabessa notes. In her paintings, she recreates the same sense of wonder, using her hands and taming the humblest domestic objects to produce miraculous choreographies on the yielding surface of a canvas, masonite, paper or aluminium sheet.
At the age of 21, Cabessa moved to Tel Aviv and studied at the Kalisher College of Art and at the Midrasha College of Art. A mere two years after completing her studies, she exhibited a solo show at Dvir Gallery, Tel Aviv. In 1996 she was the recipient of the Nathan Gottesdiener Foundation Israeli Art Prize and presented an exhibition at the Tel Aviv Museum of Art. In 1997 she represented Israel at the Venice Biennale and in 2000 she moved to New York City. She currently divides her time between Israel and the U.S, maintaining two studios, located in south Tel Aviv and in Williamsburg, Brooklyn.
In 2009, the artist began to generously share her painting process with the viewers in the form of live performances. “I noticed that the audience becomes emotionally attached to the painted image, wincing every time it is erased and rubbed away. While conjuring an image and removing it over and over again, the technique brings to mind Japanese zen gardens – creating intricate patterns in the sand with a rake and then erasing them altogether,” says Cabessa. The gestural marks and ghostly layers of paint gradually compose the palimpsest quality of her performative paintings.

See Full Article

2014
האמנית מרים כבסה: “אני מציעה לצופה סוג של חופש”, Globes / Text by חגית פלג רותם
2014Globesחגית פלג רותם

גלילים ארוכים של נייר-מדבקה, גובהם כחצי מטר ואורכם יותר מ-20 מטר כל אחד, והם מצוירים בצבעי שמן. תחילת דרכם של הגלילים בסטודיו שלה בניו-יורק, שם פרסה אותם על הרצפה ככל שאיפשר לה אורכו של הסטודיו, וציירה עליהם כשהיא רכונה מטה, בכל פעם מטפלת במקטע אחר של הרצף, ולאחר שהוא מתייבש היא מגלגלת אותו ומתחילה מחדש. כך נוצר מעין סיפור בהמשכים, שכל קשר בין פרקיו הוא מקרי בהחלט. כל קטע בציור הוא כמו יום בשרשרת ימי החיים.
בתערוכת היחיד שלה, שנפתחה בסוף השבוע בגלריה ג’ולי M בתל-אביב, כבסה מציגה שניים מהגלילים הללו, כשהם פרושים על קירות הגלריה. כאן המדבקה הרציפה הפכה לציור אופקי התלוי בגובה העיניים ומלווה את המבט לאורך הקירות. חוויית הכניסה לגלריה כמו מכניסה את הצופים ל”ראש” של האמנית. העיניים עוקבות אחר קו המחשבה שלה, הציור הפך כאן לנוף פנימי או לציור מערות, שניתן לחפש בו סמלים ונקודות אחיזה.
“הציור שלי הוא כמו זרם תודעה. יש בו משך מופשט ונקודות עצירה פיגורטיביות”, היא מסבירה בשיחה עם “גלובס”. ואכן, העין קולטת פרופיל אדם או עיניים המפציעות פתאום, צילומים קטנים שהדביקה וציירה על גביהם, עד שהם כמעט נטמעים ברקע – רעיונות רגעיים שקיבלו מקום על עיקרון הרצף.

“התערוכה הזו נולדה אחרי שבחורף עבדתי על 30 קנבסים גדולים”, אומרת כבסה. “אחד הדברים הטובים בחורף בניו-יורק זה שמאוד קל להתרכז, כי כל-כך קר שלא רוצים לצאת החוצה. הנה אני מוצאת משהו טוב בכל דבר”, היא צוחקת, ומיד נכנסת לתיאור:
“העבודות האלה היו מאוד מופשטות, לא יכולתי אפילו לצלם אותן. יש בהן, כך הבנתי, מעין שאיפה לשלמות, ולעומתן הציור על נייר המדבקה הוא רצון לחזור לתהליך הציור עצמו, כמו שעשיתי בפרפורמנס בעבר”.
כבסה חיה ועובדת בניו-יורק כבר 15 שנה. בתחילה גרה בצ’לסי, במרכז סצנת האמנות של העיר, ובשנים האחרונות עברה לברוקלין. היא ממשיכה לבקר בארץ בקביעות, מתוך תחושה ש”כאן הבית שלי”, כפי שהיא אומרת בטבעיות.
– הבית שלך גם פה וגם שם, את שייכת לאותם אמנים שהם “יהודי נודד”?
“אני מאוד מאמינה בזה. האמן הוא לא רק נודד אלא גם חסר מעמד – או יותר נכון, יש לו סטטוס אבל אין לו מעמד מחייב. כשבברוקלין רוצים לפתח אזור מוזנח האמנים הם הלקוחות הראשונים – בין אם זה חלק מתנועה טבעית או מיוזמה מכוונת. אמנים לא מפחדים משכונות קשות”.

כבסה שייכת גם לאותם מעטים שמתפרנסים באופן מוחלט מאמנותם, והיא עושה זאת מראשית דרכה, כשסיימה ללמוד במדרשה לאמנות. “תמיד האמנתי שאדם שמשקיע את כל כשרונו וזמנו בעבודה יכול לחיות ממנה. זה כמו חוק טבע. אם אני נכנסת לסטודיו ועובדת שמונה שעות ביום – אתפרנס מזה”, היא מצהירה, ואף הוכיחה זאת. אחרי שבראשית הדרך לימדה במדרשה ובשנקר, היא העבירה את מרכז חייה לניו-יורק והפכה לאמנית מוכרת ומצליחה.
את העבודות הגדולות הכינה לקראת יריד האמנות ארט באזל שהתקיים ביוני – שם הן נמכרו בהצלחה. המעבר החד מהקנבס הגדול למדבקה הצרה הוא גם מעבר מתריס כנגד ההיררכיה של השוק ביחס ליצירות אמנות. ציור על נייר נחשב “נחות” לעומת ציור השמן על בד, ונייר המדבקה על אחת כמה וכמה – כיוון שאורך חייו לכאורה קצר וחד-פעמי.

איך הגעת לחומר הזה?

“מצאתי את הגלילים האלה והם מצאו חן בעיניי. הם נראים כמו גלגול של עבודות הפרפורמנס שעשיתי. בפרפורמנס אני מציירת ומוחקת והכול מאוד חשוף, פחות ביקורתי. בעבודה עם גלילי המדבקה הרגשתי שזה כמו לחשוב בקול רם – או לחשוב באמצעות ציור על הנושא של ציור. למשל על נושא הערך הנקוב של ציור”.

למרות שהיא אינה מתכחשת לצורך של אמן למכור ולהתפרנס מעבודתו, היא נוקטת הבחנה חדה בין התערוכה לבין מכירת עבודות. “אני עובדת, וכתוצר לוואי יש לי יצירות למכירה, אבל זה לא חלק מהתערוכה. בתערוכה הזו אני מציעה לצופה חוויה. החוויה הוויזואלית היא המקום הטבעי של הציור – אדם מסתכל על משהו ושואל את עצמו ‘מה זה עושה לי שמרגש אותי או שלא, שנשאר איתי זמן מה או שנעלם אחרי שתי דקות”.
אחד המאפיינים העיקריים של המדבקה הוא היותה חד-פעמית, בדומה לגרפיטי. ציור שכאשר יוסר מהקיר כבר לא יהיה ראוי לתצוגה ומסגור. “אבל הבאתי עוד שני גלילים שניתן לקנות מהם”, היא מרגיעה.
את הגלילים הנותרים ניתן לרכוש בשלמותם או “לפי מטר”, במחיר 3,600 שקל למטר – מחיר נמוך בהשוואה למחירי עבודות השמן של כבסה, שחלקן עולות 12-18 אלף דולר.
מי שיקנה את ציורי המדבקה צריך להחליט איך הוא רוצה להתייחס אליהם. מבחינתה, היא תשמח אם ייתפסו כתוצר חד-פעמי המודבק על הקיר.
– ובכל זאת, אנשים רוצים לחשוב על יצירת אמנות כעל משהו ששומר על ערכו.

“אני מבינה את הרצון לראות ברכישת אמנות סוג של השקעה. אתה יכול לקנות ציור לקיר ועם הזמן למכור את הציור ולקנות קיר או בית תמורתו. אני מציירת לא מעט על בדים מעולים שישרדו לנצח, אבל הציור הזה הוא חוויה של הרגע החולף.
“אני מתייחסת אל האספן כאדם מאוד סקרן ואינטליגנטי ומקיימת איתו דיאלוג דמיוני. בתוך הדיאלוג הזה אנחנו שואלים שאלות על החיים, לא על המחיר של יצירת אמנות. מה זה החיים האלה ואיפה היינו ברגע הזה, או לפני שנייה. הציור הוא העקבות שנשארות, איזו הוכחה לקיומו של הרגע הזה – ויש פה מסתורין”.
– המסתורין שגורם לצופים לחשוב הרבה פעמים שהם לא מבינים את האמן.
“אני חושבת שחשוב מה כוונות האמן אבל זה לא תנאי הכרחי. החוויה של הצופה חשובה בפני עצמה. בתערוכה הזו לקחתי לי חופש פעולה – ואני רוצה שגם הצופה ייקח חופש כזה. שלא יחשוב שהיצירה היא לכל החיים. כך גם אספן – המדבקה היא לא לכל החיים, היא למי שיודע לחיות עם החופש הזה. אני מציעה לצופה, כמו גם לאספן, סוג של חופש ואם הם בכל זאת רוצים שמן על בד – יש במחסן”.

See Full Article

2014
מרים כבסה חוצה את הקווים, Haaretz / Text by Galia Yahav
2014HaaretzGalia Yahav

מרים כבסה נטשה את מצע המזוניט והמירה אותו בגלילי פלסטיק דביק שנמכרים לפי מטר־רץ. התענוג בתערוכתה החדשה הוא בהליכה לצדה לאורך כברת הדרך המרשימה שעברה
הציור של מרים כבסה אינו מתחיל ממשפט, גם לא ממלה בודדה המהדהדת בחלל הראש או בחלל הסטודיו ומתגבשת לצורה ציורית. הציור שלה מתחיל מרכיב בסיסי יותר – הברה. ואפילו מוקדם יותר – מגמגום כבד כל כך, עד שההברה הראשונה במה שמנסה לבוא לכלל ביטוי אינה מצליחה למצוא דרך החוצה, להיפלט. במשך שנים רבות הג’סטה הראשונה והמרכזית אצלה היא החצנת קשיי ההגייה. ציור־חרחור. לא רק הדבר שמנסה להתבטא באמצעות השפה הוא העניין, אלא כובד הלשון עצמו. אאאאארט.
את כובד הלשון הזה שיכללה כבסה במשך קרוב ל-20 שנה לכלל שפה ציורית עשירה במיוחד, יצרה באמצעותו פירוטכניקה מרשימה של וישים מופשטים בצבעי שמן על גבי מצע מזוניט בלתי סופג, וישים וגליצ’ים שרק בקצותיהם מתברר דימוי ניתן לזיהוי. סימני מגהץ. גולגלות. אצבעות ידיים. סימני ניגוב. כוסות ומסרקות ברזל. אלה, כתוצרי שימוש בכל מה שאינו מכחול, בהעברתם החזרתית הרועדת על המשטח והטבעת שאריותיהם טבולות הצבע על גביו, נהפכו לסימן הזיהוי של יצירתה. וזו כל פעם מעוררת השתאות מחדש בשל הגיוון ההמצאתי שבה, בשל הגופניות המוליכה את הפעולה האמנותית, בשל כתב התנועה הממושמע הבורא קומפוזיציות סוערות ועוד, מהלך שהגיע לשיאו במיצגי הציור של השנים האחרונות.
בתערוכה הנוכחית נטשה כבסה את מצע המזוניט והמירה אותו בגלילי פלסטיק דביק מהסוג שקונים בחנויות חומרי ציור וחומרי בית, לציפוי ועטיפת משטחים. היריעות המצוירות הודבקו לרוחב קירות גלריה ג’ולי מ’ בתל אביב מקצה לקצה. נוף בלי התחלת ציור ובלי סוף, קו מתמשך. נוצר כך מעין נפח ריאות אחיד לציור שלה ולגלריה, אורך הנשימה הדרוש לגמגום המתמשך זהה למטראז’ החלל. בעצם, הסטוריבורד או בדיקת האק”ג הציורית שלה מודדים את הגלריה. “בשנים האחרונות ניסיתי לא פעם ליצור ציור פעולה, בהתכוונות לא לזוז”, סיפרה בראיון לאביטל בורג ב”גלריה” ב-2010, “אני משתמשת בנשימה שלי כדי ליצור איזה מקצב, הנשימה יוצרת את המקצבים של המריחות שלי”, היא אומרת. “בעצם, מעבודה עם תנועות גדולות של הגוף, עברתי לצמצום, עד כמעט רצון לא לזוז ורק לתת לנשימה להכתיב את התנועה”. ובאמת, לרגעים נדמה שהפעם היד של כבסה כמעט לא זזה, גליל נייר הפלסטיק רץ תחתיה כמו תקליט תחת מחט הפטיפון.
בהתחלה מימין מצוירים כתמים שחורים, הלא הם שני דיוקנאות בצדודית. זהו אזכור לפרדוקס החזותי הידוע של הדיוקנאות והגביע (מה רואים? שני פרופילים שחורים מביטים זה בזה או ספל לבן על רקע שחור?), שלפיו אפשר לתפוש במבט רק דימוי אחד בכל פעם, אין אפשרות לראות גם וגם, את המכלול, אנחנו שבויים של הפרספציה שלנו. זוהי גם אקספוזיציה של סיפור־ציור שמתחיל עם רפי לביא, שהשתמש באופן קבוע בצדודיות כאלה, אצלו הן סילסלו עשן סיגריה, הוואזה צוירה בנפרד.
משערה של הצללית השמאלית נמתח־נמרח קווקוו־הבהוב בגוני שחור־כחול, לאטו מצטרד כהדפס שהצבע אוזל ממנו. אירועים קטנים נוספים ונגרעים לאורך הקו – גוני צהוב־כתום־אדום, שכבות, ספירלות, שריטות שנחרטו בעוצמה, תנופתן יוצאת מהכתף, נהפכות לחמישה תווים על פני הגליל הצר, רכסי הרים, כבישים שחורים שנחצים בקוי הפרדה אפרפרים, לבה, רורשך, עיניים פעורות אישונים, שליכטות והקרנות רנטגן, מריחות מסורבלות בנוסח ג’נין אנטוני (Loving Care”, 1992″) שטבלה את שערה בדלי צבע ומרחה אותו בכריעה על פני משטח, שתיהן הרי מגיבות בנות התקופה ובאמצעים דומים מאוד (של בודי־מסאז’) לאתיקה הגברית של המאסטרים הגדולים איב קליין וג’קסון פולוק, ציירי הפעולה התקדימיים.
אבל העניין העיקרי בתערוכה אינו רק מה שרואים בחלל עצמו, שהפעם אין בו מביצועיה המרשימים ביותר. העניין הוא המרת הפורמט הציורי בהיגיון הטקסטיל, המטר הרץ. בנוסף לציורי־המדבקה שיגורדו מהקיר ויושלכו בתום התצוגה, מונחים במחסני הגלריה גלילים מצוירים רבים נוספים, לא מודבקים, ואלה ניתנים לרכישה בכל גודל. הלקוח יקבע בעצמו כמה מטר־רץ הוא קונה, כך גם יוחלט היכן מסתיים הציור (ובהכרח, היכן מתחיל הציור של הלקוח הבא). הקנה ככל יכולתך מתחיל מאורך מינימום של מטר, עבור בפנורמה וכלה בציור קיר, אפשר גם להציב את החתיכה שקנה לאורך, אם מתחשק לו ציור דיוקן. יש לזה פוטנציאל גדול, גם מההיבט המסחרי וגם כבדיחה ארסית כלפי עולם המסחר.
מה שנראה כטריק שיווקי בחיתוליו, או כווריאציה טקטית על פעולות קודמות, יכול להיבחן גם כשכלול תפישת האקראי ביצירתה. כעוד נדבך במאבק הפנים־אמנותי על שרירותיות, אוטומטיות, החלטות גופניות עיוורות. כעוד שלב בשיחה החשופה מאוד של כבסה עם צופיה סביב הגיית הצורות באמצעות מחיקתן, הפעם זו השרירותיות של הקומפוזיציה, הנחתכת בנקודות לא מוחלטות מראש. לא רק היא, האמנית, מבצעת ג’סטות, אלא גם אספניה נדרשים להסתפח ליקום ההכרעות הקשות – איך להתחיל, איפה לגמור. כמוה, הם נדרשים לקבוע קצב/כסף.
מבין בני דורה כבסה היא מהאמנים הספורים ששמרו אמונים לאופן הציור שפיתחו בתחילת הדרך — היא לא שמטה אותו לטובת טרנדים שונים, העמיקה את השפה שהמציאה עוד ועוד, כל פעם שנדמה היה שהטכניקה שלה מיצתה את עצמה, נברא נוסח־משנה נוסף. התערוכה הנוכחית של כבסה לא מדגימה מהלך גדול ביצירתה, היא יותר בדיקה מינורית של עוד אפשרות מסוימת בתוך מבנה פעולה ציורי שבסיסיו כבר ידועים. כעת היא מתנסה בגרסת משנה לא יומרנית של עיקרון מוכר.
התענוג המסוים בתערוכה הנוכחית הוא בהליכה לצדה את כברת הדרך המרשימה הזאת, מתוך סקרנות ופתיחות לניסיונות קוליים שונים בתוך השפה, גם אם אלה ניסיונות שלא מתבהרת מתוכם מאיזו היחלצות או תפנית מובהקת במכלול פועלה. זה עניין של נאמנות. של יחסי אמון בין אמן לצופה ושל מענה לשאלה איזה סוג קהל כדאי להיות. איזה סוג קהל ראוי להיות לאמן כזה, שמתמיד באורח קופפרמני על מפעל חיים של כמעט אותו דבר. בשביל אמנים מהזן המיוחד הזה, שאינם מאביסים את הקהל בריגושים מהממים חדשים אחת לעונה, שהולכים ומתמעטים בעידן התזזית, דרושה סבלנות כמו זו המרתונית שאתה הם עצמם יוצרים. צריך לשם כך גם את הנכונות לומר – הרשות שאמן מעניק לעצמו לקחת את הזמן לאט, לפתח ניואנסים במשך שנים, היא עניין של חירות פנימית.

See Full Article

2015
Miriam Cabessa’s Evocative Paintings, Aphrochic / Text by
2015Aphrochic

Sitting down with an artist is always an enlightening experience. It’s a wonderful opportunity to learn about their process, the inspiration for their work, and how they see themselves within the larger art culture. This is what we discovered when sitting down with Miriam Cabessa at her first solo exhibit at the Jenn Singer Gallery in Gramercy Park titled, Anthropometry. The cornerstone of our conversation: her evocative paintings, and her unique method for bringing them into the world.
Cabessa has global roots. Living in New York for more than a decade, her heritage spans both Morocco and Israel. Art is in her DNA. Her father was a jazz trumpet player, who, when he could no longer find places to play in Israel, worked as an artist, creating reproductions of Picassos to make ends meet. Cabessa’s work is about her own need for self-expression, both sensual and feminine, her paintings give voice to women whose experiences have long been overlooked in art and the world beyond.
“When you look at art history I can’t base my own [work] on women painters. [I asked] how do I bring something that is not the [male] tradition to painting? I started using tools that you use to clean the house – squeegies, rugs, an iron. I used black paint, garbage cans, plates, cups. It was a comment about women and the arts. Instead of cleaning, I’m making it dirty.”
With Cabessa’s work, there is an interaction with each piece. A conversation between the artist and her canvas that the viewer can experience. Books, letters and personal objects make up the work that is in Anthropometry, and it’s as if each piece is an x-ray or impression from her life. “I wanted something real. I’m not creating an illusion. I’m creating an action and that action becomes the image,” says Cabessa.
Having left behind the paint brush years ago, her paintings are made literally by hand. “Yves Klein used models to paint and actually used them to create the painting. He was standing there with a suit and telling the women what to do. I took it another step using my own body and objects that I put on the surface. So I’m having a little discussion with Yves Klein. I’m doing something that is much more feminine. For me it’s translating a feeling, emotion and even an understanding.” Cabessa loves the challenge in creating each piece. “In my work I want to be challenged,” she says. “I’m challenging myself to create a different image.”
The works themselves are deeply personal and transformative – changing our perception of the materials as we take in the larger work. A nondescript book spine becomes an erotic allusion. Love letters take on the shape of landscapes. Open pages are formed into a sunset. “I like the transformation in art. Something you take and you touch it and it becomes something else,” says Cabessa. “Every image here has a different energy to it and I am the tool.”

See Full Article

Name Year Publication Author
1997
Miriam Cabessa: Replicated Intimacy, Venice Biennale 1997, Israeli Pavilion, Israeli Pavilion / Text by Sarah Breitberg-Semel
1997Israeli PavilionSarah Breitberg-Semel

Curated and Written by Sarah Breitberg-Semel

Miriam Cabessa’s work, on first encounter, causes a moment of disorientation: What does she show here, so naked and near that it makes my head reel, so strange and familiar that no readymade phrases can be picked to describe it? And instantly, in the selfsame breath: How does this painting happen? What technique is used to make it look like that? What’s the trick? What mad rhythm is behind this curious undertaking?

I remember walking home from her studio after she has shown me how simple it is – how the hands, moving rhythmically on the thin, wet masonite surface, leave their imprint; how, with the hand grasping a glass, that same rhythm creates the metallic pipes; how a small iron comb, in rotation, generates the screen of iron springs. The spell had been broken, yet the feeling remained that her body alone is capable of generating that movement, that rhythm, the choreography that creates the bizarre, charmed location which is her painting. Writing about her, wheresoever I take it, must embrace the point of departure, the uniqueness of Cabessa’s body-movement that has generated this artistic enterprise. Here is a singular knowing body, and I infused in the world in a non-reproducible encounter that sets it apart from an other I.

Few artists nowadays attune their work to talent as physical proficiency, to an I as such proficiency, or to a self-investigation at all. Cabessa proposes the movement of her body as the last place the world could overpower, the ultimate barricade of the self. It is not cogito, nor a critical approach in the conventional sense; but it is a very strong and principled point of resistance to control and surveillance. It is the body that knows, the inner rhythm, the eroticism, the libido – and they cannot be dominated or appropriated by the coercive systems of the state or cultural institutions. The mere existence of this place extends hope as to the feasibility of resistance and rebellion. The manifestations of these personal proficiencies are, in Cabessa’s case, outstanding in their peculiarity, and consequently highly credible in the contention they propose; rebellion is launched from the specific eroticity of the body.

However, the mysterious choreography of Cabessa’s physical movements does not take place before my eyes. What I see, on a two-dimensional board, are traces of this performance, solidified signs of past movement, clad in new form as a screen of signs, the great enemy of the authentic I. It is this silent testimony, transformed into a renewed and different creature, which emerges before more eyes.

Beyond doubt, Cabessa’s work touches upon Surrealism. It reopens in the history of art when the world, seen through innocent eyes and with unconscious raised to the surface, was experienced as astounding and mysterious. And it is not only the paintings’ look (“the convulsive beauty,” “the marvelous” required by André Breton) that points in that direction; her technique too has links with automatic writing, imprints, frottage, all those techniques the Surrealists themselves fostered so as to recover the virginal sight, the jamais vu, the uncanny complement of the déja vu. What singles Cabessa out in relation to this historical enterprise is how she herself becomes the subject of the painting; and even more so, how photography becomes an integral part of her paintings’ structure. A new I emerges, “I in the expanded field,” a hybrid creation of the camera-body and, in a broader sense, an organic-technological hybrid suggesting a novel physical experience.

The body is the first machine, and it is also the organism yearning for contact. It embraces the technological as part of itself, it is order and disorder, male and female, total control and absolute helplessness; it is nature and the spectacle just as it is the real – but also the screen of signs, the screen of death. It is the multi-faceted I, gliding playfully between various and artistic styles, in its own swift fashion applying minimalism, expressionism, action-painting and surrealism. Its span is creature, ready for the new world poised on the threshold. Cabessa has switched on the power on her guitar. She is an electric guitar. She samples herself. She is Techno-Cabessa, a renowned mutation that generates painting – that most anachronistic of media, taken for dead and left behind.

Cabessa, “I camera,” started her career a few years ago with an imprint of urination and heat strokes (electric heater, iron) on photographic papers. Already then it was a matter of swift action: touch, concentration of high energy and eliminating the distance associated with the camera. The series was completed with the portraits: a woman of kisses created by kissing the photographic paper, and a woman of money made of frottaged coins. These two women have defined the narcissism-tinted erotomania characteristic of her work, and its exchange value when metamorphosed into art. The Kisses-Woman is like a light cloud over the photographic paper, a hazy form – and the Money-Woman, with her harsh rhythm and monotonous precision, foreshadows the metallic pipes that will later erupt from Cabessa’s painting, ostensibly from her body.

Cabessa’s transition from photography to painting is highly specific. It consists of transferring the photographic process to the medium of painting. This is not painting in the ordinary sense, but painting emulating photography. Its bedding – the thin, bright masonite, smeared with a thin layer of wet dark paint – is, in effect, a reconstruction of the photographic paper, the layer of paint being the photosensitive layer that Cabessa works on with her touch. Any touch wipes away the wet dark paint, as if exposing the touched spots to the light. The bright masonite board beneath the layer of wet paint, revealed by the touch, marks the exposure to light. A quasi-photographic process is brought about, effected in a painting that could be defined as simulation of photography. This dual creature, photo-painting, enables tactile contact with the material, but also has the painting overshadowed by another origin – photography, of which the painting is merely a reconstruction, a replica, a simulation. In Cabessa’s hands, photography – regarded ever since Walter Benjamin’s renowned essay as epitome of mechanical reproduction, questioning the legitimacy of auratic, unique painting – becomes the original of which the painting is a mere reproduction. It is a rebirth of painting from photography, painting that unfolds the relation between photography and painting so that each one is both the other’s mirror and its sources. That particular I, for whose emergence – emergence of that origin latent within her body – Cabessa posits the conditions, also manifests itself as fabricated I, whose birth involves a visual conspiracy casting doubt on its own existence.

What painting grants Cabessa – and photography denies – is a rapid registration of her movements over the wet masonite board, a record of movement in time. What is registered as movement in the extremities of her body encountering the world: palms extended, soles of the feet stamping and the mouth kissing. Sporadically, she slides some object – glass, squeegee, rag, small iron comb – over the wet surface. The repertoire of the movements and accessories has been cut back, and the principle at work is building by means of rhythmical repetition of the selfsame movement. In contrast with the sensatory, libidal uniqueness underlying Cabessa’s work – uniqueness here finds expressions, oddly enough, in her knack for turning automat, robot, machine. Paradoxically, the body’s uniqueness and authenticity come across in its skill for emulating a machine. Just as her painting takes its cue from photography, as is her manual reproduction, her transformation of the organic into a printing machine, the basis for possession of a non-reproducible body. Something that sounds rather tiresome when put into words is translated in the painting into a chilling sight: mechanically barely concealing the organic, a flow resting upon continual fragmentation or fragmentation evolving into flow, an undeciphered hybrid, without beginning or end, whose dual, mechanical-biological foundations merge into a splendidly repulsive sight, mysterious and intra-corporeal, alien, a planet as remote and familiar as the I.

This exhibition packs in three formulations of Cabessa’s work, that can be described in relation to the position of the eye in the painting. In the first paintings – the most predominant hitherto, which have characterized her work in recent years – the physical movement and the act of touching are followed by Cabessa’s camera-eye, which generates the intrusive close-up or blow-up look of the works. Rosalind Krauss’ essay on surrealistic photography depicts the camera as an artificial limb ameliorating the deficient vision of the human eye:

“The camera-eyes see faster, sharper, at stranger angles, closer-to, microscopically, with a transposition of tonalities, with the penetration of X-ray, and with access to the multiplication of images. […It is] an extraordinary extension of normal vision, on that supplements the deficiencies of the naked eye. The camera covers and arms this nakedness, it acts as a kind of prosthesis, enlarging the capacity of the human body. […] Thus what supplements and enlarges human vision also supplants the viewer himself; the camera is the aid who comes to usurp.”[1]

In Cabessa’s case, the camera-eye is her own physical attribute; the location to which it penetrates by means of her camera-eye may be the interior of her own body, or the body of another. The sight seems close, too close, obscenely close, pornographic. The dark, mysterious places that have revealed – where intrusive hands seek to fathom depths and reveal secrets, where joining pipes writhe – may perhaps be what Luce Irigaray terms “walking through the look glass” to the location of the Mystérique – mysterious, hysterical, mystical. This is the “dark night of the soul,” the natural location for the femininity lurking behind every mirror – or, alternately, still resorting to Irigaray’s terms, the vision of the concave speculum, the mirror gynecologists use in internal observation of the female sex organs, which enables seeing the woman’s sex organ not as a hole, as (Freudian terms) absence, but as something extant, something visible but without an end. These works, comprising liquid mechanics and metallurgy, are generated by touch, by automatic body language achieving total control by means of Cabessa’s camera-eye regulating the movement, generating the uniformity, the sharp, intrusive look devoid of melancholy.

But Cabessa has yet another, softer seeing, where the camera eyes are shut, the metal is drained from the body and the organs are seen through the naked, defenseless eye. The body organs, divorced from one another, are view from afar, through a drab mist, the accompanying melancholy enveloping the body parts – soft, delicate, trimmed, trickling, lost, without direction, without origin and without purpose other than primordial palpitations, hand reaching for hand, foot reaching for foot. In the grey series – whose heroine is “old fashioned” humanity – the painting, engendered by movement and touch on the board, is conveyed by the naked eye as a tale, strange and distant, about hovering, functionless, organs of a non-existent body.

The third formulation, created these past few months, is armed neither with camera nor naked eye; it is created with eyes shut, the hands moving over the sensitive layer for thirty seconds. The series that shuts the eye’s cycle reverts to Robert Morris and his Blind Time – a series he repeated in four different versions in the course of the past thirty years. Morris was preceded in his “blind drawing” by the Romanian surrealist Victor Brauner, whose experimentation with automatic writing included drawing with shut eyes. The series is totally tactile (a quality conventionally considered feminine, in contrast with the masculine, Cartesian scopic-regime). The hands shuffle over the black board in a groping, scratching movement. The familiar automatic movement appears in sporadic flashes only to disappear again, making way for the body stumbling against itself, unarmed. The blended cultures of vision and darkness, body and spectacle – the amalgam that characterized the formulation predominant in Cabessa’s work – makes way for painting of dark communication, painting appertaining to cave culture, unaware and ignorant of sunlight’s brightness. The only eye capable of involvement in such a painting is the pineal eye of Georges Bataille, the inner eye that has no field of vision, or in the words of Emmanuel Lévinas: “Regard in the sense of caring this meant keeping the eyes shut thwarting the violent ‘avidity of the gaze’.”[2]

________________________________________
[1] Rosalind Krauss. “Photographic Conditions of Surrealism.” The Originality of the Avant-Garde and other Modernist Myths. (MIT Press, Cambridge, Mass., 1986), pp. 116-117
[2] Emmanuel Lévinas. Total and Infinity. (Pittsburgh: Duquesne University Press, 1969), pp. 58

1998
Bad Girls – The Israeli Version Contemporary Women Artists in Israel, University Press of England / Text by Tami Katz-Freiman
1998University Press of EnglandTami Katz-Freiman

Miriam Cabessa is completing a circle. Ten years ago, when she was twenty nine years old, she became the first winner of the 1995 Nathan Gottesdiener Foundation prize for Israeli art, and had her very first solo exhibition in the Tel Aviv museum one year later. That was the beginning of what at least looked like the birth of an exceptionally successful art career.

No one in the Israeli art scene was surprised therefore, when two years later Cabessa was chosen to represent Israel at the 1997 Venice Bienale, and that in 1999 she spread her wings and flewwest of her safe Tel Avivi nest, with an ambitious determination to conquer the art scene of the Big Apple; she was also more than sufficiently equipped for her voyage, armed with a thick resume of twenty five art shows within which twelve solo exhibitions both in Israel and Europe.

Today she is coming back to Israel at least in spirit to participate in the celebrated group show, Dreaming Art Dreaming Reality, which marks the first ten year decade of the Gottesdiener award. The show, which had its grandopening at the Tel Aviv Museum a few weeks ago, includes, in addition to Cabessa, the nine other winners of the years which followed her initiation of the prize.

In 2003 I had my first personal acquaintance with Cabessa the person, when we had a few unusually unconventional and fascinating one on one sessions,

as part of the research I was then preparing for an article I later wrote about her recent solo show at Alon Segev Gallery in Tel Aviv. This time around, I once again quickly realized how, with her elegant signature charisma, she manipulated my failing attempts to conduct a well structured interview on the subject of her participation in the TAM exhibition and on other related issues, into a private stage for her solo show, where for the traditional interview technique of question answer question, there was absolutely no room left.

The “performance” she gave me on the other hand, was nevertheless intriguing, and it educated me quite a bit about her many opinions and ideas about art, New York, television, her future plans, and yes – also a little bit about her participation in Dreaming Art – Dreaming Reality.

For the show at the TAM, Cabessa has chosen to exhibit three colorful circles paintings from her solo show at Alon Segev Gallery in 2003, and in addition, a series of five video works – now presented for the first time – in which she is captured while working on other paintings in her signature style.

The five videos, which were shot in 2004, are located on the fascinating, although flimsy line between fine art and documentation; while employing minimal editing work and a curious sound track, they visually demonstrate for the first time the intriguing “trick” behind Cabessa’s famous painting technique, about which she was questioned countless times in the past.

In four out of the five videos, Cabessa’s work process is shown from beginning to end – opening with the virginal bright whiteness of the canvas, and concluding with the image of the completed painting.

Her exclusive working tools are her own bare palms, with an occasional use of a flatiron, a cloth rag or an old fashioned floor wiper. Only in one video, in which the film has been reversed in order to display the painting process from the end to its very beginning, the final painting appears to be slowly reduced into nothing; blindfolded with a scarf tightly wrapped around her head, Cabessa gradually “exposes” the white canvas that’s concealed beneath it, alternately using her hands and a soft lump of sponge.

This is the one piece which undoubtedly escapes the question of documentation concerning the other four.

The formation process of the mysterious, hologram like images, that appear on the surface under the sensuous movements of her hands massaging and stroking it softly inevitably hypnotizes the viewer, not to say – turns him on all together; the possition of her leaning body over the canvas, horizontally placed on top of a large, sturdy table, further enables the association of a love making scene between her and the painting; even when she slowly “irons”, or “cleans” the canvas with a floor wiper drenched with paint, she still looks like the cleaning lady of love, completely infatuated with her labor.

2015
Jenn Singer Gallery proudly presents an•thro•pom•e•try, NY / Text by Jenn Singer
2015NYJenn Singer

Jenn Singer Gallery proudly presents an•thro•pom•e•try, a solo exhibition of new paintings by Brooklyn-based Moroccan Israeli artist Miriam Cabessa. Since representing Israel at the Venice Biennial in 1997, Cabessa has gained international recognition with work held in prestigious private and public collections including The Israel Museum, Jerusalem; The Tel Aviv Museum of Art; the Haifa Museum of Modern Art; and The National Museum of Women in the Arts, Washington, D.C.
Noted collector, curator and philanthropist Tim Nye’s text on the exhibition offers perfect insight into Cabessa’s sensual, expressionist paintings: “I love the use of the term ‘anthropometry’ to describe the work of Miriam Cabessa. She is in good company with ‘Anthropometry Paintings’ as the description Yves Klein used for his trademark blue body prints of women. The cool scientific implication is offset by the incongruous combination of ‘poetry’ and ‘anthropology’”.
In creating her newest body of work, Cabessa used personal items – love letters, her favorite books, diary entries, etc. – coated in paint and then pressed onto panel or canvas. The imprints these emotionally meaningful objects leave behind are interestingly suggestive, sometimes erotic and sometimes reminiscent of scientific slides – alive with texture and patterns. Regardless of how they reveal themselves, the secrets of the artist are buried under layers of paint, turning fingerprints of nostalgia into abstract imagery.
Nye describes the new collection as “‘Memory Paintings”, writing that “…the imprint is more fossil than print, as she uses objects that should only reveal superficial contours. The words— the pulsing blood —through the mystical conjuring of the artist are also revealed… The halo of the image vibrates like a Rothko; but it’s as if her attempts to anchor the object on canvas are futile, and the memory does not want to adhere, but floats from the surface and retreats to the depths of the artist’s’ private interior”.

See Full Article

2015
Miriam Cabessa’s Evocative Paintings, Aphrochic / Text by
2015Aphrochic

Sitting down with an artist is always an enlightening experience. It’s a wonderful opportunity to learn about their process, the inspiration for their work, and how they see themselves within the larger art culture. This is what we discovered when sitting down with Miriam Cabessa at her first solo exhibit at the Jenn Singer Gallery in Gramercy Park titled, Anthropometry. The cornerstone of our conversation: her evocative paintings, and her unique method for bringing them into the world.
Cabessa has global roots. Living in New York for more than a decade, her heritage spans both Morocco and Israel. Art is in her DNA. Her father was a jazz trumpet player, who, when he could no longer find places to play in Israel, worked as an artist, creating reproductions of Picassos to make ends meet. Cabessa’s work is about her own need for self-expression, both sensual and feminine, her paintings give voice to women whose experiences have long been overlooked in art and the world beyond.
“When you look at art history I can’t base my own [work] on women painters. [I asked] how do I bring something that is not the [male] tradition to painting? I started using tools that you use to clean the house – squeegies, rugs, an iron. I used black paint, garbage cans, plates, cups. It was a comment about women and the arts. Instead of cleaning, I’m making it dirty.”
With Cabessa’s work, there is an interaction with each piece. A conversation between the artist and her canvas that the viewer can experience. Books, letters and personal objects make up the work that is in Anthropometry, and it’s as if each piece is an x-ray or impression from her life. “I wanted something real. I’m not creating an illusion. I’m creating an action and that action becomes the image,” says Cabessa.
Having left behind the paint brush years ago, her paintings are made literally by hand. “Yves Klein used models to paint and actually used them to create the painting. He was standing there with a suit and telling the women what to do. I took it another step using my own body and objects that I put on the surface. So I’m having a little discussion with Yves Klein. I’m doing something that is much more feminine. For me it’s translating a feeling, emotion and even an understanding.” Cabessa loves the challenge in creating each piece. “In my work I want to be challenged,” she says. “I’m challenging myself to create a different image.”
The works themselves are deeply personal and transformative – changing our perception of the materials as we take in the larger work. A nondescript book spine becomes an erotic allusion. Love letters take on the shape of landscapes. Open pages are formed into a sunset. “I like the transformation in art. Something you take and you touch it and it becomes something else,” says Cabessa. “Every image here has a different energy to it and I am the tool.”

See Full Article

2015
an•thro•pom•e•try, / Text by Tim Nye
2015Tim Nye

an•thro•pom•e•try (n.) the measurement of the size and proportions of the human body, esp. as an aid for comparative study in physical anthropology.

I love the use of the term “anthropometry” to describe the work of Miriam Cabessa. She is in good company with “Anthropometry Paintings” as the description Yves Klein used for his trademark blue body prints of women. The cool scientific implication is offset by the incongruous combination of “poetry” and “anthropology.”
Cabessa’s work has until recently has been created through performative gestures released across panel and canvas with sponges or rags that track the limits of her anatomy (the length of her arm, for instance). By supplanting brush with the “glove” of materials like rag or sponge and her own hand, the gesture and the mark are fluid, not mediated by the fickle brush. The charge of energy is not diffused as it passes from soul to canvas. The alchemy, however, happens with the dexterity she is able to exert as paint twists, traverses canvas. A field of gestures coalesces into a field of changing textures that deceive the eye in to seeing the texture of canvas transform in to that of wood or a series of marks accumulate in to a cityscape. LET ME BE CLEAR, these hallucinations draw from the mind of the viewer; Cabessa is not leading us down the primrose path of image making. There is NO purposeful illusionistic space. This is our own baggage.
Cabessa’s recent body of work takes us to, ironically, the other end of the spectrum. She has taken emotionally charged books, photos and other personal ephemera and pressed them in to canvases loaded with paint: Memory Paintings. The imprint more fossil than print, she uses objects that should be only reveal superficial contours. Conjuring the metaphorical heat of Dennis Oppenheim’s 1971 work, “Reading Position for 2nd Degree Burn,” in which Oppenheim lets the contour of a book singe his chest, but allowing the alchemical processes of paint, the words — the pulsing blood, through the mystical summoning of the artist are also revealed, blisters / physical pain supplanted by content.

The resulting “image” appears to muscle the invisible energy / nostalgia of Dostoyevsky or love letters into the threads of the canvas. There is no illusionistic space created. The image is the failure or incompatibility of fusion of poetry and reality. To the artist the “void” created where two pages join is a beautiful pussy. Her interpretation is no more important than any other viewer, her subconscious completes a different artwork than mine does (or maybe not).

Whereas the dislocated windshield wiper gesture of the early body of work sweeps along the two dimensional axis, the “Memory Paintings” pierce or at least imply the piercing of the third dimension. This is not illusion, but a literal struggle to add an object to the surface. Motion vs. stasis are also polarizing yields of her two approaches. This is certainly not to say the book paintings are static. The halo of the image vibrates like a Rothko; but is as if her attempts to anchor object on canvas are futile, and the memory does not want to adhere, but float from the surface and retreat to the depths of the artist’s private interior. Pandora needs to be put back in her box.

1994
Meta-Sex 94, Jewish Feminism in Israel: Some Contemporary Perspectives / Text by Tami Katz-Freiman
1994Jewish Feminism in Israel: Some Contemporary PerspectivesTami Katz-Freiman

Miriam Cabessa: subverting Nature/Culture dichotomy 

Miriam Cabessa chose to exhibit in Meta-Sex one of the most moving attractions borrowed from the neighboring museum of natural history — a showcase displaying errors of nature: a two-headed calf, a lamb with six legs, an egg within an egg, chicks with three and four legs, and other mutations — products of nature’s cruelest imagination. The clinical scientific language of the original labels was used as part of the work. By dislocating and transferring an item from a Nature museum to an Art museum the artist rendered a cynical, amusing and cruel shift, that undermined the validity of taxonomic categories as well as all other socially constructed categories. The representation of nature’s failure could be interpreted as corresponding to the conservative concept of the woman as the ‘other’, as inferior, lustful, and non-spiritual.

Simone de Beauvoir, a representative of the early phase of feminist discourse, described women as “prisoners of their womb”. She argued that in order to obtain liberty and equality women must first liberate themselves of bodily processes, especially those connected with childbirth, which she perceived as the root of their subjection to biology, of being a passive instrument of life. “Trapped by nature, the pregnant woman is plant and animal… a collection of sticky materials, an incubator, an egg…”. The miserable creatures in the glass cabinet of Miriam Cabessa’s work seemed like this “collection of sticky materials”. They, too, render embarrassment because of their anomaly.

One of the basic assumptions posed by the feminist discourse is that woman’s social presence is different from that of man. The traditional research of art history is paved with texts that stripped the body of its sexuality and removed its social and psychological context. In this process, the nakedness of the body, the erotic charge carried in its nudity, its sexual identity and its modes of presentation within a context of social discourse, were submerged and erased.

Published at:  “Bad Girls – The Israeli Version”

Contemporary Women Artists in Israel

A revised version of the catalogue essay for “Meta-Sex 94”, published in Jewish Feminism in Israel: Some Contemporary Perspectives (edited by Kaplana Misra and Malanie Rich), University Press of New England, 2003, pp. 141 – 171.

See Full Article

Solo ExhibitionsYearLocation
2022
Un-titled yet
2022Tel Aviv Artists' Studio
2020
Time of the World
2020Be’eri Gallery, Kibbutz Be’eri, Israel
2019
Living Room, Painting installation
2019Brooklyn, New York
2019
EPOS International Art Film Festival,
screening of “Night Shift at the Museum”
2019Tel Aviv Art Museum, Israel
2018
“Night Painting”, Painting and Video
2018Beit Uri and Rami Nehostan Museum, Ashdot Ya’acov, Israel
2017
"Illustrated Transitions" Monotypes
2017Har-el Gallery, Jaffa, Israel
2015
Hands On
2015Dryansky Gallery, San Francisco CA
2015
an•thro•pom•e•try
2015Jenn Singer Gallery, New York
2014
Painting Installation
2014Julie M. Gallery, Tel Aviv, Israel
2012
"Variations with Hands" , Performance
2012Tel Aviv Museum, Tel Aviv, Israel
2012
Miriam Cabessa / / Performance
2012Tel Aviv Museum, Tel Aviv, Israel
2011
"In Her Wake"
2011Julie M. Gallery, Tel Aviv, Israel
2010
79
2010Slate Gallery, Brooklyn, New York
2009
Slow Motion Action Painting, Performance
2009Pulse Art Fair, New York NY
2008
Marking Time
2008Lyons Wier Ortt Gallery, New York NY
2007
New Works, Shelef & Schneidman
2007Tel Aviv, Israel
2007
New Paintings
2007Slate Gallery, New York NY
2005
New Paintings
2005Moti Hasson Gallery, New York NY
2004
Circle Paintings
2004Pack Gallery, Milan, Italy
2003
Circle Paintings
2003Alon Segev Gallery, Tel Aviv, Israel 
1999
New Paintings
1999Dvir Gallery, Tel Aviv, Israel
1997
Venice Biennale
1997Israeli Pavilion, Venice, Italy
1996
The Nathan Gottesdiener Foundation Israeli Art Prize
1996Tel Aviv Museum of Art, Israel
Group ExhibitionsYearLocation
2022
Ta(Asiya) (In-dustry)
2022Zuzu Gallery for Cultural Motivation
2022
Material Imagination: new permanent display of the Israeli art collection
2022Tel Aviv Museum, Israel
2021
Unveiling: Contemporary Israeli Art in Zurich
2021Zurich, Switzerland
2021
The Invention of Painting: how did you do it?
2021Noga Gallery for Contemporary Art, Tel Aviv, Israel
2020
Groundwater
2020Contemporary Art Gallery of the city of Ramat HaSharon, Israel
2020
Calling the Goddess
2020Beit HaIr, Tel Aviv 
2020
The Mechanical Body
2020Bar-David Museum, Kibbutz Baram, Israel
2020
Art Residency1
2020Haifa
2019
Hotel Utopia
2019Brown Hotel, Tel Aviv
2019
Breathing Space
2019Wilfrid Israel Museum of Asian Art, Israel
2019
Body Paint
2019Kibbutz Yad Mordechai, Israel
2019
Zumu nomadic museum
2019Hatsor HaGlilit, Israel
2018
Art Residency2
2018Berlin
2017
“Same Same but Different”, Haaretz collection
2017Minus1 Gallery, Tel Aviv, Israel  
2016
Art Residency3
2016Porto
2016
Winter Salon
2016Jenn Singer Gallery, New York NY
2015
Jenn Singer Gallery, New York NY
2015Sister Gallery, Tel Aviv, and Art Gallery, 
Nazareth, Israel
2015
Dinner for Breakfast
2015Victori and Mo Gallery, Brooklyn NY
2014
Dynasties
2014Haifa Museum, Israel
2014
From The Land of Everywhere
2014Birnam Wood Galleries, New York NY
2014
Chicago Triangle
2014Haifa museum, Israel
2014
Broken Beads
2014Beer-Sheva University, Israel 
2014
Contemporary Israeli Art
2014Julie M, Toronto, Canada
2013
Passive Aggressive
2013University Gallery, Tel Aviv, Israel
2013
A Picnic and Smokes, Curated by Kipton Cronkite from @60”
2013QF Gallery, East Hampton NY
2012
The Merry Mummy
2012Ramat Gan Museum, Israel
2012
Three person show
2012Nye+Brown Gallery, Los Angeles CA
2012
Masonite
2012Sommer Contemporary Art, Tel Aviv, Israel
2012
Take my Breath Away
2012Julie M Gallery, Toronto, Canada
2011
Festival of Ideas-performance
2011The New Museum, New York NY
2011
A Group Exhibition
2011Julie M Gallery, Toronto, Canada
2008
Timeless: The Art of Drawing
2008The Morris Museum, Morristown NJ
2008
Eventually We’ll Die: Young Art In Israel Of The 90’s
2008Herzilya 
Museum of Contemporary Art, Israel
2007
Displacements
2007Ben-Ari Museum of Contemporary Art, Israel
2007
Of The Painted Image
2007Jewish Museum of Pittsburgh PA
2005
Dreaming Art Dreaming Reality
2005Tel Aviv Museum of Art, Israel
2004
Paintings that Paint Themselves
2004Kresge Art Museum, 
East Lansing MI
2000
The Vera & Arturo Schwartz Collection of Contemporary Art
2000Tel Aviv Museum of Art, Israel
2000
Ladies and Gentlemen
2000Tel Aviv Museum of Art, Israel
1998
Women Artists
1998Haifa Museum of Art, Haifa, Israel
1997
The Museum Collection
1997Tel Aviv Museum of Art, Israel
1996
The Vera & Arturo Schwartz Collection of Contemporary Ar
1996Israel Museum, Jerusalem, Israel
EducationYearLocation
1997-1998
Cultural Studies at Camera Obscura
1997-1998Tel Aviv, Israel
1990-1992
Ha’Midrisha College of Art
1990-1992Ramat-Ha’Sharon, Israel
1988-1989
Kalisher College of Art
1988-1989Tel Aviv, Israel
AWARDS AND SCHOLARSHIPSYear
2001
International Studio & Curatorial Program, sponsored by the NY Cultural Corp. Commission
2001
1995
Ministry of Science and the Arts Prize for Young Artists
The Nathan Gottesdiener Foundation Israeli Art Prize
1995
1990, 1994
Scholarship from the American-Israeli Cultural Foundation
1990, 1994

Contact

[email protected]
@miriamcabessa

    • © 2022, Miriam Cabessa
    • © 2022, Miriam Cabessa || מרים כבסה
    • Photography

      Ron Kedmi, Nimi Getter, Noa Yaffe

    • Graphic design Field-Day
    • Code Eli Cohen